Ronda Bautista

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Ronda Bautista (Talavera de la Reina, 1984) actualmente residente en Cracovia, es una artista multidisciplinar, pero que especialmente trabaja la pintura. Bautista es habitual en la isla, de hecho, esta es su tercera residencia, la primera vez que vino a participar en una fue con CRIDA (Centro de Residencia e Intercambio de Artistas, Fundació Palma Espai d’Art) en el año 2012 y volvió en 2014 a Addaya Centre d’Art Contemporani. Dos años más tarde, vuelve a entrar en contacto con la Mallorca realizando una residencia en el CAC Ses Voltes durante el mes de mayo. 

¿Cómo conociste el CAC Ses Voltes y su proyecto de residencia? 

Realmente porque seguía la actividad de Palma Fundació Espai d’Art e iba viendo, la convocatoria la vi porque estaba anunciada en muchos sitios.  

¿Has realizado otras residencias? ¿Qué relación tienes con estas? 

Creo que cada proyecto al final deja una huella en el trabajo que continúo haciendo en el presente, cada residencia aporta algo a tu trabajo. En pocas ocasiones he realizado proyectos únicos que se queden solo en eso. 

Acudo mucho a colonias artísticas, es un formato que a lo mejor en España no esta tan extendido. Allí son muy populares y son unos encuentros internacionales, duran aproximadamente dos semanas. El tiempo es muy poco y me tengo que focalizar en elementos muy puntuales. 

 ¿Qué papel crees que tienen estas dentro de la formación de los artistas? 

Creo que son súper importantes, te permiten abrir otras vías que a lo mejor no descubres en la rutina que tienes en tu estudio habitualmente o por tu manera de hacer (metodología). A mí lo que más me gusta de las residencias es que siempre pasa algo que no tienes bajo control, que no esperas, y siempre cambia tu trabajo. Accidentes que en un primer momento pueden enfadarte pero que desembocan en algo positivo. Por ejemplo, cuando estuve en Alaró no pude encontrar el material que necesitaba, me llego defectuoso, entonces mi obra cambio por completo. En otra residencia que hice en el Mar Báltico, en Polonia, igual, llevaba una cosa en la cabeza y al final acabé por no hacer nada de pintura, hice todo vídeo.  

¿Qué influencia produce en tu obra el cambio de contexto de Polonia y Mallorca? No es la primera vez que realizas una estancia aquí, ¿Qué aporta la isla a tu trabajo que sigues volviendo a ella? 

(risas) Creo que el contraste muy brutal, aunque es cierto que muchas veces recaigo en los mismos elementos paisajísticos como cosas que pasan desapercibidas y son tan anónimas que podrían estar aquí o donde fuera. Pero sí pienso que en la isla hay algo, los colores son muy diferentes de los que veo en Polonia. Creo que lo que más me llama la atención es la mezcla de lo tradicional y lo histórico con todo el rollo del turismo. Esto genera situaciones en el paisaje que no se dan en otros sitios. La ciudad de dónde vengo, en Cracovia, es también turística y grande, pero es completamente diferente. En Mallorca siempre aparecen muchos factores nuevos sobre los que trabajar.  

En tu proyecto hay una cita de Antonio López “Yo pinto la ciudad de Madrid, la ciudad de Madrid mucha belleza…no tiene. Sin embargo, a mí me parece como un motivo, un motivo interesante. (…) Tu época, es tu época y ahí es donde resuelves toda tu vida profesional y de interpretación de las cosas”. En esta se reflejan dos cosas de tu trabajo, la ciudad como motivo y la idea de reflejar el presente de esta ciudad, tal cual esta cuando la observas. 

El presente y el cuestionamiento también de belleza, pero sobretodo me gusta la frase de “tu época es tu época”, tiene mucha razón. Él, aparte de pintar estas vistas más generales, atiende mucho a circunstancias anodinas, y creo que estas tienen tanta importancia como lo monumental o lo que se nos impone mirar, ver o apreciar. 

Entonces, ¿En el proyecto que realizas ahora, como en anteriores, vas a reflejar esta ciudad tal como es, la Palma actual? ¿Cómo interpretas la ciudad a partir de estos fragmentos? 

Para ser sincera en principio traía en cabeza hacer más como un mural de obra, pero últimamente he estado trabajando en Polonia sobre la idea de obra fragmentada. De lo que parto son fragmentos y me interesaba también que eso tuviese una visibilidad más formal en la obra. Por poner un ejemplo, hice un cuadro en el que encontré ocho maceteros y en cada uno había una letra formando la palabra Cracovia, en lugar de pintar los ocho elementos juntos los pinté por separado conformando una obra de casi 4 metros de largo. Realmente, en su contexto, existen de manera aislada y aquí quiero jugar un poco con eso, tomar los elementos y fijarme desde cosas tradicionales a cosas que pasan desapercibidas o están impuestas en la ciudad. Elementos muy característicos que pueden estar aquí, pero al tiempo también en cualquier sitio. Me gusta jugar con la combinación de estos. 

En este caso, por ejemplo, juego con la escultura de Palma (Pep Llambías) va a ser un díptico y va con otra vista de la escultura que hay en Es Baluard. Son elementos que están muy cerca, en cierta manera los dos parecen ascender hacia el cielo, me gustan mucho las vistas hacia este, siempre miro mucho hacia arriba. Voy a ir cogiendo elementos que vaya encontrando, aunque lo que pinte aquí no será lo definitivo, lo que cierre este proyecto, a veces lo encuentro después de un año o lo dejo y lo vuelvo a descubrir. Lo que me llama la atención es que hay imágenes que se han quedado grabadas en mi memoria de manera muy fuerte, he vuelto ahora y no han cambiado, pero son estos sitios que igual que no han cambiado pueden hacerlo inmediatamente. Entonces es cierto que me fijo bastante en las situaciones un poco más amenazadas por una desaparición, como este extintor (señalando uno de los cuadros que está pintando), mañana viene alguien y lo destapa o le hace un grafiti y es otro elemento paisajístico.

Comencé a fijarme en estos elementos y aislarlos un poco por el propio aburrimiento que tenia de mi trabajo, antes pintaba muchas vistas frontales, de fachadas y edificios. Cuando Cracovia empezó a cambiar y todo era cada vez más moderno, lo que iba quedando eran fragmentos, retazos aislados de ese paisaje. A partir de eso empecé a aislar los objetos y fijarme en cosas más independientes fuera de su contexto. 

Hablas del concepto de mapa, un mapa que vas creando a partir de tu percepción. ¿Cómo es tu proceso de trabajo?

Mi proceso de trabajo es recorrido urbano, documentación y trabajo en el estudio. Lo que pasa es que no sucede de una manera mecánica, lo que más me gusta de mi método es que estoy pintando, pero estoy saliendo, volviendo con nuevas ideas. Estoy a tiempo de ver, por ejemplo, que un cuadro que iba a ser independiente de repente se convierte en un tríptico porque he encontrado otros elementos que tienen una conexión especial entre ellos. Entonces todo eso genera un mapa, de situaciones, de ideas, de los elementos encontrados. 

Realizas una pintura figurativa, muy limpia, con colores planos, detallista y con influencia del pop. También tienes influencia del arte urbano, del grafiti ¿Crees que esto puede en cierta manera enfriar tu pintura, sobretodo el hecho de aislar los objetos? 

En cierto modo sí, pienso que a veces la manera de presentarlo sobre un fondo plano es más brutal que pintar el contexto. Todos estos objetos que en muchas ocasiones son feísimos al final tienen algo de entrañable. No sé si enfriar es la palabra más correcta.

Me interesa el punto en el que con pocas manchas a veces pueden llegar a ser tan realistas o cercanos para la gente, o adquirir un punto en el cuadro que tiene que ver más con la realidad que con la foto, para unos puede resultar más fríos que para otros, aunque sí creo que cada vez he tendido a sintetizar más las cosas. 

Respecto al grafiti me interesan mucho esas marcas “diversas” que mutan el paisaje a cada momento, y mi intención es captar estos pequeños cambios. Estos cambios mínimos son acciones en ocasiones sin ninguna intención artística, pero que contienen muchas claves de lo que somos, tienen un valor infinito. En mi obra no hay figuras humanas, pero el tema social está muy presente. 

Le das valor al género del paisaje, ¿Que es para ti la pintura de paisaje contemporánea, que papel crees que debe de tener, hacia donde crees que evoluciona? Introduces el paisaje en otros proyectos, como en las instalaciones, creo que hay una presencia muy potente de este en tu obra. 

Sí, creo que es lo que más me interesa volviendo precisamente a esta frase de Antonio López, porque todo está ahí, lo generamos nosotros. Pienso que por suerte ahora mismo la pintura esta muy expandida, en su sentido más experimental y positivo, tiene una salud estupenda. Simplemente hay que seguir explorando. 

Las instalaciones que he hecho también tienen que ver con el paisaje, incluso muchas tienen imágenes que luego aparecen en mis cuadros. Aunque estas no sean la parte fundamental de mi trabajo, cuando las hago todo está entrecruzado. 

¿En algunas de tus series, por ejemplo, en  Yourhomeandmine, hay un poco de ironía con este contraste que se genera entre arquitecturas precarias y los colores más vivos y alegres? 

Sí, la intención es irónica. Este proceso lo hago un poco al contrario, construyo los elementos, dibujo bocetos y luego paso a pintarlo. La intención de pintar cosas hechas de cartón con todos sus detalles hace que se exprese mucho más el material, la pintura enfatiza más en esta ironía que la propia maqueta. 

Tus pinturas se componen a través de elementos aislados, pero a través de estos se crea un diálogo, que forma una imagen de conjunto y dota de espacio, mentalmente, a esos objetos. Un espacio en el que el espectador completa la imagen creando un paisaje. 

Sí, incluso con las casas aisladas de la serie que comentabas funciona de ese modo. Ahora estoy haciendo una serie de elementos y composiciones que la gente usa en Polonia para que no aparquen otros en sus aceras, crean unas composiciones increíbles con cualquier tipo de elementos. Tienen mucha imaginación. El espacio no existe en estas composiciones, lo genera cada uno.

CAT

Ronda Bautista (Talavera de la Reina, 1984) actualment resident en Cracòvia, és una artista multidisciplinària, però que especialment treballa la pintura. Baptista és habitual a l’illa, de fet, aquesta és la seva tercera residència, la primera vegada que va venir a participar en una va ser amb CRIDA (Centre de Residència i Intercanvi d’Artistes, Fundació Palma Espai d’Art) l’any 2012 i va tornar en 2014 a Addaya Centre d’Art Contemporani. Dos anys més tard, torna a entrar en contacte amb Mallorca realitzant una residència en el CAC Ses Voltes durant el mes de maig.

Com vas conèixer el CAC Ses Voltes i el seu projecte de residència?

Realment perquè seguia l’activitat de Palma Fundació Espai d’Art i anava veient, la convocatòria la vaig veure perquè estava anunciada en molts llocs.

Has realitzat altres residències? Quina relació tens amb aquestes?

Crec que cada projecte deixa una petjada en el treball que continuo fent en el present, cada residència aporta alguna cosa al teu treball. En poques ocasions he realitzat projectes únics que es quedin solament en això.

Acudesc molt a colònies artístiques, és un format que potser a Espanya no està tan estès. Allà són molt populars i són unes trobades internacionals, duren aproximadament dues setmanes. El temps és molt poc i m’he de focalitzar en elements molt puntuals.

Quin paper creus que tenen aquestes a la formació dels artistes?

Crec que són súper importants, et permeten obrir altres vies que potser no descobreixes en la rutina que tens en el teu estudi habitualment o per la teva manera de fer (metodologia). A mi el que més m’agrada de les residències és que sempre passa alguna cosa que no tens baix control, que no esperes, i sempre canvia el teu treball. Accidents que en un primer moment poden enfadar-te però que desemboquen en alguna cosa positiva. Per exemple, quan vaig estar a Alaró no vaig  trobar el material que necessitava, em va arribar defectuós, llavors la meva obra va canviar per complet. En una altra residència que vaig fer en el Mar Bàltic, a Polònia, igual, portava una cosa en el cap i al final vaig acabar per no fer gens de pintura, vaig fer tot vídeo.

Quina influència produeix en la teva obra el canvi de context entre Polònia i Mallorca? No és la primera vegada que realitzes una estada aquí, Què aporta l’illa al teu treball que segueixes tornant a ella?

(riures) Crec que el contrast molt brutal, encara que és cert que moltes vegades torn a caure en els mateixos elements paisatgístics, les coses que passen desapercebudes i són tan anònimes que podrien estar aquí o a qualsevol lloc. Però sí que pens que a l’ illa hi ha alguna cosa, els colors són molt diferents als que veig a Polònia. Crec que el que més em crida l’atenció és la mescla del tradicional i l’històric amb tot el rotllo del turisme. Això genera situacions en el paisatge que no es donen en altres llocs. La ciutat d’on venc, Cracòvia, és també turística i gran, però és completament diferent. A Mallorca sempre apareixen molts factors nous sobre els quals treballar.

En el teu projecte hi ha una cita d’Antonio López “Jo pinto la ciutat de Madrid, la ciutat de Madrid molta bellesa…no té. No obstant això, a mi em sembla com un motiu, un motiu interessant. (…) La teva època, és la teva època i aquí és on resols tota la teva vida professional i d’interpretació de les coses”. En aquesta es reflecteixen dues coses del teu treball, la ciutat com a motiu i la idea de reflectir el present d’aquesta ciutat, tal qual és quan l’observes.

El present i el qüestionament també de la bellesa, però sobretot m’agrada la frase de “la teva època és la teva època”, té molta raó. Ell, a part de pintar aquestes vistes més generals, atén molt a circumstàncies anodines, i crec que aquestes tenen tanta importància com el monumental o el que se’ns imposa mirar, veure o apreciar.

Llavors, En el projecte que realitzes ara, com en anteriors, vas a reflectir aquesta ciutat tal com és, la Palma actual? Com interpretes la ciutat a partir d’aquests fragments?

Per ser sincera en principi portava al cap fer més com un mural d’obra, però darrerament he estat treballant a Polònia sobre la idea d’obra fragmentada. Del que partesc són fragments i m’interessava també que això tingués una visibilitat més formal en l’obra. Per posar un exemple, vaig fer un quadre en el qual vaig trobar vuit maseters i en cadascun hi havia una lletra formant la paraula Cracòvia, en lloc de pintar els vuit elements junts els vaig pintar per separat conformant una obra de gairebé quatre metres de llarg. Realment, en el seu context, existeixen de manera aïllada i aquí vull jugar una mica amb això, prendre els elements i fixar-me des de coses tradicionals a coses que passen desapercebudes o estan imposades a la ciutat. Elements molt característics que poden estar aquí, però al mateix  temps en qualsevol lloc. M’agrada jugar amb la combinació d’aquests.

En aquest cas, per exemple, estic jugant amb l’escultura de Palma (Pep Llambías) serà un díptic i va amb una altra vista de l’escultura que hi ha en És Baluard. Són elements que estan molt a prop, en certa manera els dos semblen ascendir cap al cel, m’agraden molt les vistes cap a aquest, sempre miro molt cap amunt. Vaig a anar agafant elements que vaig trobant, encara que el que pinti aquí no serà el definitiu, el que tanqui aquest projecte, de vegades ho trob després d’un any o ho deix i ho torn a descobrir. El que em crida l’atenció és que hi ha imatges que s’han quedat gravades en la meva memòria de manera molt forta, he tornat ara i no han canviat, però són aquests llocs que igual que no han canviat poden fer-ho immediatament. Llavors és cert que em fixo bastant en les situacions una mica més amenaçades per una desaparició, com aquest extintor (assenyalant un dels quadres que està pintant), demà ve algú i ho destapa o li fa un grafiti i és un altre element paisatgístic.

Vaig començar a fixar-me en aquests elements i aïllar-los una mica pel propi avorriment que tènia del meu treball, abans pintava moltes vistes frontals, de façanes i edificis. Quan Cracòvia va començar a canviar i tot era cada vegada més modern, la qual cosa anava quedant eren fragments, retalls aïllats d’aquest paisatge. A partir d’això vaig començar a aïllar els objectes i fixar-me en coses més independents del seu context.

Parles del concepte de mapa, un mapa que vas creant a partir de la teva percepció. En el qual acudeixes als elements a partir de la memòria. Quin és el teu procés de treball?

El meu procés de treball és recorregut urbà, documentació i treball en l’estudi. El que passa és que no succeeix d’una manera mecànica, la cosa que més m’agrada del meu mètode és que estic pintant, però estic sortint, tornant amb noves idees. Sóc a temps de veure, per exemple, que un quadre que anava a ser independent de sobte es converteix en un tríptic perquè he trobat altres elements que tenen una connexió especial entre ells. Llavors tot això genera un mapa, de situacions, d’idees, dels elements oposats.

Realitzes una pintura figurativa, molt neta, amb colors plans, detallista i amb influència del pop. També tens influència de l’art urbà, del graffiti. Creus que això pot en certa manera refredar la teva pintura, sobretot el fet d’aïllar els objectes?

En certa manera sí, pens que de vegades la manera de presentar-ho sobre un fons pla és més brutal que pintar el context. Tots aquests objectes que en moltes ocasions són lletgíssims, al final tenen una mica d’entranyable. No sé si refredar és la paraula més correcta.
M’interessa el punt en el qual amb poques taques de vegades poden arribar a ser tan realistes o propers per a la gent, o adquirir un punt en el quadre que té a veure més amb la realitat que amb la foto, per a uns pot resultar més freds que per a uns altres, encara que crec que cada vegada he tendit a sintetitzar més les coses.

Respecte al grafiti m’interessen molt aquestes marques “diverses” que muten el paisatge a cada moment, i la meva intenció és captar aquests petits canvis. Aquests canvis mínims són accions en ocasions sense cap intenció artística, però que contenen moltes claus del que som, tenen un valor infinit. En la meva obra no hi ha figures humanes, però el tema social està molt present.

Li dónes valor al gènere del paisatge, Que és per a tu la pintura de paisatge contemporània, quin paper creus que deu tenir, cap a on creus que evoluciona? Introdueixes el paisatge en altres dels teus projectes, com ara en les instal·lacions, crec que hi ha una presència molt potent d’aquest en la teva obra.

Sí, crec que és el que més m’interessa tornant precisament a aquesta frase d’Antonio López, perquè tot està aquí, ho generem nosaltres. Pens que per sort ara mateix la pintura està molt expandida, en el seu sentit més experimental té una salut estupenda des del graffiti fins a les instal·lacions. Simplement cal seguir explorant.

Les instal·lacions tenen alguna cosa a veure amb el paisatge, fins i tot moltes tenen imatges que després apareixen en els meus quadres. Encara que aquestes no siguin la part fonamental del meu treball, quan les faig tot està entrecreuat.

En algunes de les teves sèries, per exemple, en  Yourhomeandmine, hi ha una mica d’ironia amb aquest contrast que es genera entre arquitectures precàries i els colors més vius i alegres?

Sí, la intenció és irònica. Aquest procés ho faig una mica al contrari, faig els elements, dibuix un esbós i després pas a pintar-ho. La intenció de pintar el cartó amb tots els seus detalls fa que s’expressi molt més el material, la pintura fa que es faci patent  molt més aquesta ironia que la maqueta.

Les teves pintures es composen a través d’elements aïllats, però a través d’aquests es crea un diàleg, que forma una imatge de conjunt i dota d’espai, mentalment, a aquests objectes. Un espai en el qual l’espectador completa la imatge creant un paisatge. 

Sí, fins i tot amb les cases aïllades de la sèrie que comentaves funciona d’aquesta manera. Ara estic fent una sèrie d’elements i composicions que la gent usa a Polònia perquè no aparquin uns altres en les seves voreres, creen unes composicions increïbles amb qualsevol tipus d’elements. Tenen molta imaginació. L’espai no existeix en aquestes composicions, ho genera cadascun.

 

 

 

 

 

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Esta fue la primera conversación que tuve el placer de realizar para el blog, pero en su momento no pudo ver la luz ya que el proyecto todavía no había sido presentado. Alejandro y Andrés prefirieron esperar a que fuera público, lo cual ocurrió el pasado día 23 de mayo. Por lo tanto, en el momento en el que conversamos su proyecto se encontraba en fase de gestación, igual que este blog y como consecuencia mi capacidad a la hora de realizar preguntas o redactar. Aún así, hemos decidido no retocar nada y mostrar lo que surgió en aquel momento.

Alejandro Sanz (1994) y Andrés Ramírez (1994) son dos estudiantes de cuarto de diseño en la Escola Superior de Disseny de les Illes Balears (ESDIB), el primero especializado en diseño gráfico y el segundo en diseño de producto. Durante dos semanas desarrollaron parte de su proyecto en uno de los espacios que ofrece el CAC Ses Voltes con este propósito.

Al preguntar en cuál de los talleres se encontraban Alex y Andrés para ir a presentarme y cuadrar agendas me señalaron la Sala 1, donde estaba el cubo. Es significativo lo del cubo, pues con este recogían el agua que caía de la muralla para reutilizarla, dejando entrever el carácter ecológico implícito en su trabajo. Al entrar uno, se siente en un pequeño laboratorio donde los sentidos se ven invadidos por la variedad de colores y olores que inundan el espacio. 

Primero de todo habladme un poco de vosotros, ¿cuál es vuestra relación con el arte?

Alejandro: Siempre me ha gustado el arte; como espectador disfruto muchísimo el impresionismo y el arte conceptual, como creador he desarrollado una faceta más visual, íntimamente ligada con diseño gráfico. He hecho fotografía, ilustración, video, grabado y también me muevo por el mundo de la serigrafía. He realizado cursos y he participado en exposiciones y certámenes, pero no me considero artista sino diseñador.

Andrés: Mi relación con el arte se inició cuando hice el bachiller artístico y luego me decanté por el diseño de producto, aunque el arte siempre me ha interesado más como espectador que como artista. Me decanto especialmente por la fotografía. 

¿Es el primer proyecto de residencia que realizáis, de cuánta duración ha sido?

Si, es el primero que realizamos y ha tenido una duración de dos semanas, aunque volvemos en marzo y estaremos hasta finales de abril.

¿Consideráis que ha sido tiempo suficiente? 

El proyecto va a tener una duración de 8 meses y como es tan largo, naturalmente no es suficiente. Al tener el tiempo tan limitado hemos tenido que administrar bien estos 15 días para sacar el mayor rendimiento, pero en definitiva el tiempo ha cundido.

¿Me podríais explicar en qué consiste vuestro proyecto de tintas orgánicas?

Vamos a hacer un kit de fabricación de tintas orgánicas para niños, se trata de un proyecto que aglutina educación, ecología y arte. Es un trabajo conjunto donde vamos a fusionar ambas disciplinas (diseño de producto y diseño gráfico) para enriquecerlo y potenciarlo al máximo. Los valores que nos mueven son sobretodo la ecología y la sostenibilidad medioambiental. En la situación actual en la que vivimos consideramos que la educación es lo más importante, ya que es la única vía hacia una un futuro mejor. Queremos crear un producto educativo que inculque valores medioambientales de respeto por la naturaleza a las siguientes generaciones mientras aprenden, se divierten y crean. Es un poco juntar la educación, el arte y la ecología a un nivel más holístico, donde los niños van a ser partícipes y creadores de todo el proceso. No van a comprar la pintura en bote, sino que van a coger la fruta u hortaliza para transformarla en una herramienta artística. Es un proyecto que procuramos tenga recorrido e incluso pueda llegar a muchas escuelas. No vamos a cambiar el mundo, pero si podemos aportar nuestro granito de arena.

¿Qué son exactamente las tintas orgánicas?

Son tintas cuyo origen y materia prima es orgánica, por lo que no contiene minerales ni metales pesados. A partir de ahí todos los ingredientes, conservantes y procesos que empleamos son naturales y procuramos que sean de origen sostenible (medioambientalmente hablando).

El proceso con el que trabajamos nosotros no suele ser el habitual, hoy en día se abusa bastante de la etiqueta eco. Encontramos productos y pinturas cuya certificación afirma que es ecológica, pero cuando miras los ingredientes estos no resultan ser 100% seguros. Nosotros buscamos la esencia, ir al origen tanto como podamos; nos vamos a la remolacha, por ejemplo, a sacar directamente de ahí el color y a partir de eso lo tratamos lo menos posible, utilizamos conservantes que también sean orgánicos y procesos naturales para hacer la mínima modificación manteniendo su pureza.

¿Cómo creáis vosotros estas tintas? 

Hemos diseñado un utensilio que nos permite extraer el jugo puro, concentrado. Lo que obtenemos de ahí es un producto líquido que directamente pasa a ser tinta. La base de todo lo que obtenemos es líquida, de esta manera tenemos una posibilidad que es la acuarela y si quieres otro tipo de textura vas a tener que añadir otros elementos. 

El hecho de que sean orgánicas, ¿implica también una degradación mucho más acelerada que la de tintas normales?

Si, todavía no podemos determinar exactamente cuánto es pero lo más probable es que desaparezcan. 

Bueno, pero esto tiene también una parte buena, ¿no? 

Sí, lo bueno es que tiene un impacto medioambiental cero al fin de su vida útil. Cualquier tipo de transformación que puede sufrir la tinta lo vemos como algo positivo, sobretodo en el ámbito de la educación. Cuando un niño ve que una pintura expuesta a la luz del sol desaparece con el paso de los meses y otra no, hay aprendizaje.

Al ser orgánicas, parece que en un primer momento tienen que ser más perecederas, pero intenta tú quitar una mancha de arándanos o vino de la ropa (risas). Aunque la idea de que desaparezcan nos parece algo muy interesante, nos gusta reflejar con las pinturas el ciclo de las cosas en la naturaleza. Todo nace, muere y deja espacio para lo nuevo.

En el mundo del arte puede tener una utilidad de carácter performático, de algo que va desapareciendo o transformándose en otra cosa. Igualmente, las tintas que estamos elaborando (si se conservan bien) tienen una buena duración. Hicimos unas pruebas hace cinco meses y siguen intactas, de momento eso indica que funciona.

¿Estas tintas se podrían aplicar fuera del ámbito infantil?

En un principio la idea era realizar tintas orgánicas para serigrafistas, pero nos dimos cuenta que eso no tenía ningún recorrido, entonces decidimos que la educación era una vía muy importante por la que teníamos que ir. Intentamos hacer tintas de una gran calidad, que sean tan buenas que un adulto pueda utilizarlas. Nosotros no somos artistas, somos diseñadores, pero hacemos una labor de investigación para el arte.  De momento tenemos lista la acuarela y queremos trabajar el tema de la textura acrílica. Las tintas tienen unas características que queremos que sean así: son orgánicas, ecológicas, veganas, no tóxicas y siempre intentamos que la fuente de la que provienen sea sostenible.

¿Cuales son los resultados y experiencias que estáis obteniendo? 

Los resultados de momento son muy positivos, estos últimos días han sido un poco frustrantes porque es difícil conseguir una textura de pintura acrílica con los ingredientes de los cuales disponemos, no hemos encontrado aún ningún aglutinante natural que de el cuerpo y textura que buscamos. Se trata de algo que estamos creando casi desde cero. Queremos crear un producto de calidad, de hecho, fantaseando un poco, en el futuro después del kit para niños nos gustaría crear uno para adultos más profesional. 

¿Con este proyecto habéis tenido que hacer un poco de historiografía y ver que se usaba antes para realizar tintas? 

Así es, ha sido como volver a los orígenes.

Ha habido una fase de investigación interesante, la tinta china se inventó hace más de 5.000 años, se hacía con negro de hollín, aceites, gelatina animal y almizcle. Los egipcios empleaban moras machacadas y minerales diversos. Los romanos usaban tinta de calamar y en la edad media se utilizaba la tinta ferrogálica que se hacía con óxido de hierro (o sulfato de cobre), nuez de agalla y goma arábica. Se trata de mirar atrás para ir hacia adelante. Lo bueno es que estamos obteniendo resultados muy buenos con ingredientes fáciles de conseguir. Este es otro punto interesante, que sea asequible a todo el mundo, no queremos ingredientes raros o caros, es muy importante trabajar con el producto local.

Por último, ¿cuál es el objetivo principal de vuestro trabajo?

 Es cambiar o intentar cambiar un par de vidas, intentar dar pie a una reflexión sobretodo a los niños. Como decía Sócrates “Yo no puedo enseñar nada a mis alumnos, lo único que puedo es hacer que empiecen a pensar por sí mismos” y eso es un poco lo que queremos hacer, que los niños se cuestionen las cosas y reflexionen.

María Lucía Marcote García

Miércoles 2 de marzo de 2016

CAC Ses Voltes, Sala 1

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Aquesta va ser la primera conversa que vaig tenir el plaer de realitzar per el blog, però al seu moment no va poder veure la llum ja que el projecte encara no havia estat presentat. Alejandro i Andrés van preferir esperar a que aquest fos públic, això va ocórrer el passat dia 23 de maig. Per tant, al moment en el qual vam poder conversar el seu projecte es trobava en fase de gestació, igual que aquest blog i com a conseqüència la meva capacitat a l’hora de realitzar les preguntes o de redactar. No obstant això, hem decidit no retocar gens i mostrar el que va sorgir en aquell moment.

Alejandro Sanz (1994) i Andrés Ramírez (1994) són dos estudiants de disseny a l’Escola Superior de Disseny de les Illes Balears (ESDIB), el primer especialitzat en disseny gràfic i el segon en disseny de producte. Durant dues setmanes van desenvolupar part del seu projecte en un dels espais que ofereix el CAC Ses Voltes amb aquest propòsit.

En preguntar en quin dels tallers es trobaven per anar a presentar-me i quadrar agendes em van assenyalar la Sala 1, on estava la galleda. És significatiu el de la galleda, ja que amb aquesta recollien l’aigua que queia de la muralla per reutilitzar-la, deixant entreveure el caràcter ecològic implícit en el seu treball. En entrar un se sent en un petit laboratori on els sentits es veuen envaïts per la varietat de colors i olors que inunden l’espai.

Primer de tot parlau-me una mica de vosaltres, quin és la vostra relació amb l’art?

Alejandro: Sempre m’ha agradat l’art; com a espectador gaudesc moltíssim l’impressionisme i l’art conceptual, com a creador he desenvolupat una faceta més visual, íntimament lligada amb disseny gràfic. He fet fotografia, il·lustració, vídeo, gravat i també em moc pel món de la serigrafia. He realitzat cursos i he participat en exposicions i certàmens, però no me consider artista sinó dissenyador.

Andrés: La meva relació amb l’art es va iniciar quan vaig fer el batxiller artístic i després em vaig decantar pel disseny de producte, encara que l’art sempre m’ha interessat més com a espectador que com a artista. Em decant especialment per la fotografia.

És el primer projecte de residència que realitzeu, de quanta durada ha estat?

Si, és el primer que realitzem i ha tingut una durada de dues setmanes, encara que tornem al març i estarem fins a finals d’abril.

Considereu que ha estat temps suficient?

El projecte ha de tenir una durada de 8 mesos i com és tan llarg, naturalment no és suficient. En tenir el temps tan limitat hem hagut d’administrar bé aquests 15 dies per treure el rendiment més gran, però en definitiva el temps ha condit.

Em podríeu explicar en què consisteix el vostre projecte de tintes orgàniques?

Anem a fer un kit de fabricació de tintes orgàniques per a nens, es tracta d’un projecte que aglutina educació, ecologia i art. És un treball conjunt on anem a fusionar ambdues disciplines (disseny de producte i disseny gràfic) per enriquir-ho i potenciar-ho al màxim. Els valors que ens mouen són sobretot l’ecologia i la sostenibilitat mediambiental. En la situació actual en la qual vivim considerem que l’educació és el més important, ja que és l’única via cap a una un futur millor. Volem crear un producte educatiu que inculqui valors mediambientals de respecte per la naturalesa a les següents generacions mentre aprenen, es diverteixen i creen. És una mica ajuntar l’educació, l’art i l’ecologia a un nivell més holístic, on els nens serán partícips i creadors de tot el procés. No van a comprar la pintura en pot, sinó que van a agafar la fruita o hortalissa per transformar-la en una eina artística. És un projecte que procurem tingui recorregut i fins i tot pugui arribar a moltes escoles. No anem a canviar el món, però si podem aportar el nostre granet de sorra.

Què són exactament les tintes orgàniques?

Són tintes l’origen de les quals i matèria primera és orgànica, per la qual cosa no conté minerals ni metalls pesants. A partir d’aquí tots els ingredients, conservants i processos que emprem són naturals i procurem que siguin d’origen sostenible (mediambientalment parlant).

El procés amb el qual treballem nosaltres no sol ser l’habitual, avui dia s’abusa bastant de l’etiqueta eco. Trobem productes i pintures la certificació en les quals s’afirma que és ecològica, però quan mires els ingredients aquests no resulten ser 100% segures. Nosaltres busquem l’essència, anar a l’origen tant com poguem; ens anem a la remolatxa, per exemple, a treure directament d’aquí el color i a partir d’això ho tractem el menys possible, utilitzem conservants que també siguin orgànics i processos naturals per fer la mínima modificació mantenint la seva puresa.

Com creau vosaltres aquestes tintes?

Hem dissenyat un utensili que ens permet extreure el suc pur, concentrat. El que obtenim d’aquí és un producte líquid que directament passa a ser tinta. La base de tot el que obtenim és líquida, d’aquesta manera tenim una possibilitat que és l’aquarel·la i si vols un altre tipus de textura has d’afegir altres elements.

El fet que siguin orgàniques, implica també una degradació molt més accelerada que la de tintes normals?

Si, encara no podem determinar exactament quant és però el més probable és que desapareguin.

Bé, però això té també una part bona, no?

Sí, lo positiu és que té un impacte mediambiental zero a la fi de la seva vida útil. Qualsevol tipus de transformació que pot sofrir la tinta ho veiem com alguna cosa positiva, sobretot en l’àmbit de l’educació. Quan un nen veu que una pintura exposada a la llum del sol desapareix amb el pas dels mesos i una altra no, hi ha aprenentatge.

En ser orgàniques, sembla que en un primer moment han de ser més peribles, però intenta tu llevar una taca de vi de la roba (riures). Encara que la idea que desapareguin ens sembla alguna cosa molt interessant, ens agrada reflectir amb les pintures el cicle de les coses en la naturalesa. Tot neix, mor i deixa espai pel nou.

Al món de l’art pot tenir una utilitat de caràcter performatiu, d’alguna cosa que va desapareixent o transformant-se en una altra cosa. Igualment, les tintes que estem elaborant (si es conserven bé) tenen una bona durada. Vam fer unes proves fa cinc mesos i segueixen intactes, de moment això indica que funciona.

Aquestes tintes es podrien aplicar fora de l’àmbit infantil?

Al principi la idea era realitzar tintes orgàniques per serigrafia, però ens vam adonar que això no tenia cap recorregut, llavors varem decidir que l’educació era una via molt important per la qual havíem d’anar. Intentem fer tintes d’una gran qualitat, que siguin tan bones que un adult pugui utilitzar-les. Nosaltres no som artistes, som dissenyadors, però fem una labor de recerca per a l’art. De moment tenim llesta l’aquarel·la i volem treballar el tema de la textura acrílica. Les tintes tenen unes característiques que volem que siguin així: són orgàniques, ecològiques, veganes, no tòxiques i sempre intentem que la font de la qual provenen sigui sostenible.

Quins són els resultats i experiències que esteu obtenint?

Els resultats de moment són molt positius, aquests últims dies han estat una mica frustrants perquè és difícil aconseguir una textura de pintura acrílica amb els ingredients dels quals disposem, no hem trobat encara cap aglutinant natural que del cos i textura que busquem. Es tracta d’alguna cosa que estem creant gairebé des de zero. Volem crear un producte de qualitat, de fet, fantasiant una mica, en el futur després del kit per a nens ens agradaria crear un per a adults més professional.

Amb aquest projecte heu hagut de fer una mica d’historiografia i veure que s’usava abans per realitzar tintes?

Així és, ha estat com tornar als orígens.

Hi ha hagut una fase de recerca interessant, la tinta xinesa es va inventar fa més de 5.000 anys, es feia amb negre de sutge, olis, gelatina animal i almesc. Els egipcis empraven mores picades i minerals diversos. Els romans usaven tinta de calamar i en l’edat mitjana s’utilitzava la tinta ferrogálica que es feia amb òxid de ferro (o sulfat de coure), nou d’agalla i goma aràbiga. Es tracta de mirar enrere per anar cap endavant. El positiu és que estem obtenint resultats molt bons amb ingredients fàcils d’aconseguir. Aquest és un altre punt interessant, que sigui assequible a tothom, no volem ingredients rars o cars, és molt important treballar amb el producte local.

Finalment, quin és l’objectiu principal del vostre treball?

És canviar o intentar canviar un parell de vides, intentar donar motiu a una reflexió sobretot als nens. Com deia Sòcrates “Jo no puc ensenyar gens als meus alumnes, l’única cosa que puc és fer que comencin a pensar per si mateixos” i això és una mica el que volem fer, que els nens es qüestionin les coses i reflexionin.

María Lucía Marcote García

Dimecres 2 de març de 2016

CAC Ses Voltes, Sala 1

Quatro Patas

CAST

El colectivo Quatro Patas, se encuentra formado por las artistas brasileñas Janaína Nagata (São Paulo, 1991) y Marina D’Aiuto (São Paulo, 1989). El colectivo data de 2013 y trabajan especialmente con técnicas gráficas, aunque su trabajo más bien se inscribe en el campo de la experimentación, tanto material como del lenguaje.

Decidí que en esta conversación las respuestas de Janaína y Marina formaban un conjunto, no tenía sentido separarlas ya que, hablaban complementándose, al igual que hacen con su trabajo, a la hora de responder, eran “Quatro Patas”.

¿Cómo conocisteis el proyecto del CAC Ses Voltes?

Nosotras queríamos salir a realizar una residencia y empezamos a mirar en las páginas web, conocimos el CAC a partir de Arteinformado, página que solía visitar cuando estuve en Madrid. Vimos la convocatoria y nos pareció interesante.

¿Cual es vuestra relación con los proyectos de residencia, es el primero que realizáis?

Hicimos otro en Brasil, el año pasado, en el Centro Cultural de São Paulo. Fue una residencia de trabajo gráfico en el taller que tienen ahí. Nos juntamos con otros tres artistas y realizamos el proyecto de una revista de cuarenta ejemplares llamada Ganga, donde combinábamos diversas técnicas gráficas y cada ejemplar era único. Al final hubo una feria gráfica y una exposición de los residentes, fue interesante porque además de nuestro proyecto, había otros cuatro y hubo un intercambio de experiencias e ideas.

¿Entonces Ganga era como un fanzine?

Sí, pero solo de imágenes, sin texto. En realidad había un texto que era de recetas para hacer técnicas gráficas alternativas caseras, sin necesidad de un taller, pero venía separado. Por un lado la revista y en otro cuaderno más pequeño, las recetas y la explicación del proyecto de residencia.

¿Qué importancia creen que tienen las residencias en la formación de los artistas?

Nos parecen genial, no solo para conocer otros sitios, sino para conocer artistas de otras partes. Por ejemplo, aquí tenemos a Kit que es de Hong Kong. No siempre puedes tener intercambios de ideas con gente de sitios tan distintos. Es bueno cambiar el contexto de producción, más cuando tienes un espacio adecuado para trabajar. Vinimos con un proyecto, pero era bastante abierto, y cuando llegamos descubrimos un sitio cerca de aquí que es Magalluf, nos pareció muy raro. Estás cosas solo las conoces cuando estás en el sitio, cuando hablas con la gente o puedes vivir ahí.DSCN2078.JPG

También estamos cerca de una producción gráfica, como aquí con el taller de serigrafía, vemos la gente trabajar muy de cerca. El CAC nos parece familiar, porque en nuestras escuelas tenemos talleres que se parecen, la producción es distinta pero el ánimo de producción es el mismo. Es genial como experiencia para producir.

¿Qué diferencias veis entre España y Brasil en el panorama del arte contemporáneo?

Muy distinto a muchos niveles, primero aquí estamos en una ciudad más pequeña comparada con São Paulo; eso ya cambia el ritmo de la gente, la rutina, porque la ciudad es caótica. Aquí podemos producir con un poco más de tranquilidad, es distinto para nosotras. Este aspecto es a nivel personal.

Creemos que aquí en Europa, normalmente los artistas más jóvenes, y también con más experiencia, tienen más maneras de exhibir su trabajo, con becas, espacios de producción… En São Paulo hay mucha cosa pero también hay mucha gente, así que es más difícil para un artista joven. No fuimos todavía a exposiciones de arte contemporáneo en Mallorca.

Bueno si queréis os paso galerías, y mañana hay un Glory Hall. Ahora os invito al evento en Facebook.

La semana pasada fuimos a la inauguración del Rata Corner, y este espacio sí que podría existir en São Paulo, de hecho hay espacios muy parecidos, donde se mezclan arte, música y literatura. Me pareció un espacio al que estamos acostumbradas, aunque tenemos pocos comparado con la cantidad de población.

Vemos que en general en Europa hay una valoración de arte de nuevos medias, más fuerte que en Brasil, allí es más artesanal, aunque se desarrollan las dos vías. Aquí hay más espacios y propuestas en este sentido. Ahora vivimos en un momento raro, porque la gente sale mucho del país, no hay un ambiente artístico propio. Desde los años 90 las cosas están cambiando bastante.

¿Que es el colectivo Quatro Patas?

Es un colectivo de dos personas, una dupla, el nombre es Quatro Patas porque hacemos trabajo a cuatro manos. Como nos gusta hacer el trabajo con técnicas más caseras, groseras, pensamos que Quatro Patas era algo más animal, más primario en este sentido. La idea la tuvimos cuando todavía estudiamos el grado, vinimos de intercambio a Europa ( Marina a París y Janaína a Madrid) y estuvimos por ahí viendo museos, visitando sitios distintos y nos pareció una buena idea intentar producir algo juntas y la verdad es que nos salió bien. Empezamos con la litografía y al final hicimos un montón de trabajos que no tenían nada que ver, de pintura, de grabado y otras cosas que no sabemos decir que son.

Hace poco más de dos años que trabajamos juntas, y la idea es trabajar un poco a partir de conversaciones e intercambios de ideas. Una relación donde es muy importante el diálogo, hacemos un trabajo conjunto en todos los aspectos desde la concepción de las ideas hasta llevar a cabo el resultado material. Trabajamos siempre juntas, es como un solo cuerpo, cuatro patas. Nos dijeron ya muchas veces que los trabajos parecían de una sola persona, esto no nos parece un problema.

Lo veo como algo positivo, significa que estáis bien conectadas.

Sí, estamos en armonía. Lo de trabajar juntas tiene que ver con nuestros tiempos, son muy parecidos. Antes de trabajar juntas nuestra producción ya se parecía y había un diálogo de las obras. Es bueno trabajar con otra persona porque no tienes el control total de las cosas, hay una parte del trabajo que siempre va a ser una sorpresa. Hay que intentar entender lo que la otra persona te propone, es como una conversación por imágenes donde construimos algo en conjunto. Nos gusta compararlo con el trabajo de los actores en el teatro que tienen que entrar en contacto con otra persona, improvisar con otro. Las ideas se van desarrollando en algo que nunca pensarías sola.DSCN2087.JPG

¿Cual es el proyecto que estáis desarrollando durante vuestra residencia?

El último proyecto que hicimos era un estereoscopio con diapositivas. Teníamos la idea de tener aquí algunos proyectores y sacar fotos de la ciudad, todavía no sabíamos de que, y hacer intervenciones gráficas sobre estas. Por ejemplo con serigrafía, sabíamos lo del taller y nos gustaría usarlo, o manuales. Luego haríamos una proyección de las diapositivas con nuestras intervenciones.

Cuando vinimos, hablando con la gente de aquí, nos hablaron de Magalluf y del turismo, vemos que aquí es algo que la gente discute mucho.

Si es un tema recurrente, de hecho muchos artistas que vienen en residencia lo tratan. Debe impactar cuando vienes de fuera.

Creemos que sí, porque São Paulo no es una ciudad turística para nada, es una ciudad de negocios. Magalluf nos pareció muy raro, el 90% de la gente es extranjera. Fuimos un poco de safari, porque éramos extranjeras en Magalluf. Fue la primera vez en nuestras vidas que nos sentimos dos veces extranjeras. Aquí, en España, lo somos pero allí también era extranjera. No había casi españoles, eran casi todo ingleses y algún alemán. Incluso todo estaba escrito en inglés. Fue una experiencia rara, siendo dos chicas sacando fotos allí.

¿Fuisteis de noche?

Sí, porque es cuando sale la gente de fiesta. Fuimos con nuestra cámara analógica, y las hemos enviado a revelar. Con las de cámara digital tenemos algunas ideas para las intervenciones que haremos en las diapositivas.

Lo que es importante al hacer una residencia, en relación a este proyecto, es que es muy diferente estar en el lugar y ver las cosas que pasan. Ves familias que están ahí en medio de la fiesta, la gente que vive allí, los turistas,… Es un lugar complejo que solo se puede apreciar in situ.

Es un territorio que los mallorquines no solemos frecuentar, vas ahí y también te sientes extranjero. Es curioso que dentro de una isla, pequeña, existan estos sitios tan diferentes.

Es un sitio espectacular, nos gusta ir a estos lugares raros a los que nunca iríamos si no fuera por un trabajo de arte. Espacios paralelos, es interesante porque trabajamos con muchas capas en nuestro trabajo, y este concepto de capa de tener algo sobre otra cosa.

¿Qué tipo de intervenciones realizareis?

Estamos haciendo una búsqueda de que signos gráficos nos interesaría mas usar en este caso. Todavía no sabemos; las mandamos a revelar ayer y tenemos que ver el resultado, entonces tendremos una idea. No puede ser algo muy gestual porque es pequeña. Estamos haciendo también estos trabajos para tener ideas y empezar a discutir las fotografías. Normalmente iniciamos el trabajo a partir de la imagen, entonces necesitamos tener estas imágenes para empezar a hacer la práctica.

¿Cuales son las técnicas más recurrentes en vuestro trabajo?

Utilizamos mucho la fotografía, también de internet, pero sobretodo técnicas gráficas. La principal es gunprinting, la estamos usando ahora mismo, una técnica casera de transferencia de imágenes fotocopiadas. No es la transferencia por solventes, se hace por un proceso de repulsión entre grasa y agua que es el proceso de la litografía, pero con una fotocopia. Es algo un poco más improvisado, al principio era difícil obtener resultados, pero hace un tiempo que estamos trabajando en ella y sale una imagen fotográfica pero a la vez muy gráfica, del grabado. Incluso hemos experimentado en otros materiales como la madera, el látex, la goma,… Utilizamos también el collage, pintura, la encáustica, el guache,… No tenemos una única técnica sino unos materiales que nos gustan.

Vuestro trabajo entonces se basa en la experimentación, tanto con los materiales como con la técnica.

Sí, normalmente empezamos a trabajar cuando encontramos un material nuevo. Por ejemplo, cuando empezamos con el látex fue porque nos pareció que tenía una materialidad interesante. A veces iniciamos el proceso por una idea, pero el resultado es casi siempre material. Trabajamos más con pinturas, grabados, cosas físicas y táctiles. En este momento trabajamos con las proyecciones de diapositivas, que no es algo que puedas tocar, pero si tiene un soporte físico.

La proyección no es de la computadora, o a partir de datos, es una proyección de imágenes físicas y la intervención que realizamos también lo es. Nos gusta establecer este contacto con la materia. Lo que intentamos hacer es trabajar con cosas que tenemos a mano, más rutinarias y baratas. Intervenir en las diapositivas y la proyección es algo nuevo que vamos a probar aquí.

¿Qué influencias tenéis en vuestro trabajo, si es que hay alguna?

Rauschenberg, ahora estamos alucinando con Andy Warhol. Pero depende del trabajo.

Tenéis esta influencia muy pop, que se relaciona también con lo de intervenir las fotos, usar referencias icónicas, la fotocopia, el collage, las capas,…

En este momento es lo que nos llama más la atención, hay otros que quizás son más difíciles de ver como Eva Hesse que trabajaba con látex, viene un poco de la producción del minimalismo norteamericano, pero había una discusión a cerca de la feminidad. En este momento estamos pensando mucho sobre el cuerpo femenino, pero de manera muy sutil. Hay influencias a distintos niveles, este último trabajo del estereoscopio incluso tiene que ver con Velázquez, por los espejos y planos. Miramos cosas muy raras (risas)

En este proceso de estar procrastinando en internet, acabe en un podcast de una comisaría que habla de cómo pequeñas cosas te llevan a un resultado y de la importancia del proceso de creación. Las cosas que pasan durante este llevan al producto final, donde se van insertando estas ideas y mezclando con el trabajo.

Esto es muy visible para nosotras, como trabajamos a cuatro manos el proceso es siempre es largo, estamos hablando, buscando,… Todo lo hacemos juntas. También recibimos influencias de la gente más cercana, como Comando 14 de los cuales nos gusta mucho su trabajo. Los talleres en Brasil, que usamos, son colectivos y siempre ves lo que va haciendo.

Trabajáis también mucho con el concepto de ruina, la estética del desecho.

Trabajamos sobre todo esto de las capas, degradando el material, quemando, gestos muy grandes. Nos gusta esta materia que sobra, los restos. Ahora intentamos trabajar con esto pero de maneras distintas, nos gusta algo que está oculto, que no tiene una imagen bien definida. Magalluf tiene este lado un poco obscuro, sin juzgar moralmente, de oculto, tiene una cara un poco bizarra. Hay una mirada de la sociedad, de degradación.

Hay un aspecto temporal en el trabajo que no es directo, durante el proceso la imagen pierde una información. Es un objeto que tiene una historia, como decías antes la importancia del proceso en el trabajo. En nuestro caso las imágenes cambian bastante, solemos trabajar mucho con una imagen hasta que casi se pierde. Empezamos con una fotografía y el resultado final no tiene nada que ver, puede que algo permanezca. Esto tiene que ver con las capas y las ruinas, pero la ruina no es ruina de algo perdido o mirando el pasado, sino en la materia presente. Ya no tiene que ver con lo que paso, pero está ahí; es esta cosa más bruta, fea, y miramos a esto no al pasado. Creemos que el resultado final de las diapositivas no tendrá nada que ver con Magalluf.

Estos son algunos de los trabajos que hicimos hasta ahora, es la primera impresión, las capas se irán superponiendo.

Parecen imágenes encontradas después de muchos años, donde se ve la mella del tiempo. ¿Estás son digitales o analógicas? Hay una intención de que se vea el gesto, en algo que podría ser muy automático y frío como la impresión de fotografías. Se ve la mano humana, es volver un poco a esta idea romántica de la fotografía más manual.

Digitales, trabajamos con los dos. Hay una información gestual muy fuerte, es más caliente y un poco este retorno. Es algo de lo que siempre intentamos hablar un poquito.

Se van perdiendo las figuras, hay zonas con más detalles y otras donde se pierde completamente la imagen. Esta presente también la idea de selección, de lo que queréis mostrar o no. Es curioso no es una técnica, al menos que yo conozca, habitual.

Sí, en algunas se puede ver muchas cosas y en otras nada. Fue un poco difícil la técnica con los materiales, porque cambian las marcas y tuvimos que realizar pruebas.

Es como una visión de futuro de lo que podría ser Magalluf si se abandonara.

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CAT

El col·lectiu Quatro Patas, es troba format per les artistes brasileres Janaína Nagata (São Paulo, 1991) i Marina D’Aiuto (São Paulo, 1989). El col·lectiu data de 2013 i treballen especialment amb tècniques gràfiques; encara que el seu treball més aviat s’inscriu en el camp de l’experimentació, tant material com del llenguatge.

Vaig decidir que en aquesta conversa les respostes de Janaína i Marina formaven un conjunt, no tenia sentits separar-les ja que, parlaven complementant-se, igual que fan amb el seu treball, a l’hora de respondre, eren “Quatro Patas”.

Com vareu conèixer el projecte del CAC Ses Voltes?

Nosaltres volíem sortir a realitzar una residència i varem començar a mirar a les pàgines web, varem conèixer el CAC a partir de Arteinformado, pàgina que solia visitar quan vaig estar a Madrid. Vam veure la convocatòria i ens va semblar interessant.

Quina és la vostra relació amb els projectes de residència, és el primer que realitzeu?

Vam fer un altre a Brasil, l’any passat, al Centre Cultural de São Paulo. Va ser una residència de treball gràfic en el taller que tenen allà. Ens varem ajuntar amb altres tres artistes i varem realitzar el projecte d’una revista de quaranta exemplars anomenada Ganga, on combinàvem diverses tècniques gràfiques i cada exemplar era únic. Al final va haver-hi una fira gràfica i una exposició dels residents, va ser interessant perquè a més del nostre projecte, hi havia quatre mes i va haver-hi un intercanvi d’experiències i idees.

Llavors Ganga era com un fanzine?

Sí, però solament d’imatges, sense text. En realitat hi havia un text que era de receptes per fer tècniques gràfiques alternatives casolanes, sense necessitat d’un taller, però venia separat. D’una banda la revista i en un altre quadern més petit, les receptes i l’explicació del projecte de residència.

Quina importància creuen que tenen les residències en la formació dels artistes?

Ens semblen genial, no solament per conèixer altres llocs, sinó per conèixer artistes d’altres parts. Per exemple, aquí tenim a Kit que és d’Hong Kong. No sempre pots tenir intercanvis d’idees amb gent de llocs tan diferents. Esta bé canviar el context de producció, més quan tens un espai adequat per treballar. Varem venir amb un projecte, però era bastant obert, i quan arribarem varem descobrir un lloc prop d’aquí que és Magalluf, i ens va semblar molt curiós. Aquestes coses solament les coneixes quan estàs en el lloc, quan parles amb la gent o pots viure aquí.

També estem prop d’una producció gràfica, amb el taller de serigrafia, veiem la gent treballar molt d’a prop. El CAC ens sembla familiar, perquè a les nostres escoles tenim tallers que s’assemblen, la producció és diferent, però l’ànim de producció és el mateix. És genial com a experiència per produir.

Quines diferències veieu entre Espanya i Brasil en el panorama de l’art contemporani?

Molt diferent a molts nivells, primer aquí estem en una ciutat més petita comparada amb São Paulo; això ja canvia el ritme de la gent, la rutina, perquè la ciutat és caòtica. Aquí podem produir amb una mica més de tranquil·litat, és diferent per a nosaltres. Aquest aspecte és a nivell personal.

Creiem que aquí a Europa, normalment els artistes més joves, i també amb més experiència, tenen més maneres d’exhibir el seu treball, amb beques, espais de producció… A São Paulo hi ha molta cosa però també hi ha molta gent, així que és més difícil per a un artista jove. No hem anat encara a exposicions d’art contemporani a Mallorca.

Bé si voleu vos pas galeries, i demà hi ha un Glory Hall. Ara vos convidaré a l’esdeveniment en Facebook.

La setmana passada varem ser a la inauguració del Rata Corner, i aquest espai sí que podria existir en São Paulo, de fet hi ha espais molt semblants, on es barregen art, música i literatura. Ens va semblar un espai al que estem acostumades, encara que tenim pocs espais així comparats amb la quantitat de població.

Veiem que en general a Europa hi ha una valoració d’art de nous mitjanes, més forta que a Brasil, allà és més artesanal, encara que es desenvolupen les dues vies. Aquí hi ha més espais i propostes en aquest sentit. Ara vivim en un moment rar, perquè la gent surt molt del país, no hi ha un ambient artístic propi. Des dels anys 90 les coses estan canviant bastant.

Que és el col·lectiu Quatro Patas?

És un col·lectiu de dues persones, una dupla, el nom és Quatro Patas perquè fem treball a quatre mans. Com ens agrada fer el treball amb tècniques més casolanes, grolleres, pensem que Quatro Patas era una mica més animal, més primari en aquest sentit. La idea la vam tenir quan encara estudiavem el grau, vam venir d’intercanvi a Europa ( Marina a París i Janaína a Madrid) i vam estar per aquí veient museus, visitant llocs diferents i ens va semblar una bona idea intentar produir alguna cosa juntes i la veritat és que ens va sortir bé. Varem començar amb la litografia i al final varem fer un munt de treballs que no tenien gens que veure, de pintura, de gravat i altres coses que no sabem dir que són.

Fa poc més de dos anys que treballem juntes, i la idea és treballar una mica a partir de converses i intercanvis d’idees. Una relació on és molt important el diàleg, fem un treball conjunt en tots els aspectes des de la concepció de les idees fins a dur a terme el resultat material. Treballem sempre juntes, és com un sol cos, quatre potes. Ens van dir ja moltes vegades que els treballs semblaven d’una sola persona, això no ens sembla un problema.

Ho veig com alguna cosa positiu, significa que esteu ben connectades.

Sí, estem en harmonia. Treballar juntes té a veure amb els nostres temps, són molt semblants. Abans de treballar juntes nostra producció ja s’assemblava i hi havia un diàleg de les obres. És bé treballar amb una altra persona perquè no tens el control total de les coses, hi ha una part del treball que sempre va a ser una sorpresa. Cal intentar entendre el que l’altra persona et proposa, és com una conversa per imatges on construïm alguna cosa en conjunt. Ens agrada comparar-ho amb el treball dels actors en el teatre que han d’entrar en contacte amb una altra persona, improvisar amb un altre. Les idees es van desenvolupant en alguna cosa que mai pensaries sola.

Com és el projecte que esteu desenvolupant durant la vostra residència?

L’últim projecte que vam fer era un estereoscopi amb diapositives. Teníem la idea de tenir aquí alguns projectors i treure fotos de la ciutat, encara no sabíem que, i fer intervencions gràfiques sobre aquestes. Per exemple amb serigrafia, sabíem lo del taller i ens agradaria usar-ho, o manuals. Després faríem una projecció de les diapositives amb les nostres intervencions.

Quan vam venir, parlant amb la gent d’aquí, ens varen xerrar de Magalluf i del turisme, veiem que aquí és alguna cosa que la gent discuteix molt.

Si és un tema recurrent, de fet molts artistes que vénen en residència ho tracten. Ha d’impactar quan véns de fora.

Creiem que sí, perquè São Paulo no és una ciutat turística per res, és una ciutat de negocis. Magalluf ens va semblar molt rar, el 90% de la gent és estrangera. Vam ser una mica de safari, perquè érem estrangeres en Magalluf. Va ser la primera vegada en les nostres vides que ens varem sentir dues vegades estrangeres; aquí ,a Espanya, ho som però allí també érem estrangeres . No hi havia gairebé espanyols, eren gairebé tot anglesos i algun alemany. Fins i tot estava tot escrit en anglès. Va ser una experiència rara, sent dues noies fent fotos allà.

Vareu anar de nit?

Sí, perquè és quan surt la gent de festa. Varem anar amb la nostra càmera analògica, i les hem enviat a revelar. Amb les de càmera digital tenim algunes idees per a les intervencions que farem en les diapositives.

El que és important en fer una residència, en relació a aquest projecte, és que és molt diferent estar en el lloc i veure les coses que passen. Veus famílies que estan aquí enmig de la festa, la gent que viu allí, els turistes,… És un lloc complex que solament es pot apreciar in situ.

És un territori que els mallorquins no solem freqüentar. És curiós que dins d’una illa, petita, existeixin aquests llocs tan diferents.

És un lloc espectacular, ens agrada anar a aquests llocs rars als quals mai aniríem si no fos per un treball d’art. Espais paral·lels, és interessant perquè treballem amb moltes capes en el nostre treball, i aquest concepte de capa de tenir alguna cosa sobre una altra cosa.

Quin tipus d’intervencions realitareu?

Estem fent una cerca que signes gràfics que ens interessaria mes usar en aquest cas. Encara no sabem; les varem enviar a revelar ahir i tenim a veure el resultat, llavors tindrem una idea. No pot ser alguna cosa molt gestual perquè és petita. Estem fent també aquests treballs per tenir idees i començar a discutir les fotografies. Normalment iniciem el treball a partir de la imatge, llavors necessitem tenir aquestes imatges per començar a fer la pràctica.

Quines són les tècniques més recurrents en el vostre treball?

Utilitzem molt la fotografia, també d’Internet, però sobretot tècniques gràfiques. La principal és gunprinting, l’estem usant ara mateix, una tècnica casolana de transferència d’imatges fotocopiades. No és la transferència per solvents, es fa per un procés de repulsió entre greix i aigua que és el procés de la litografia, però amb una fotocòpia. És alguna cosa una mica més improvisada, al principi era difícil obtenir resultats, però fa un temps que estem treballant en ella i surt una imatge fotogràfica però alhora molt gràfica, del gravat. Fins i tot hem experimentat en altres materials com la fusta, el làtex, la goma,… Utilitzem també el collage, pintura, la encáustica, el guache,… No tenim una única tècnica sinó uns materials que ens agraden.

El vostre treball llavors es basa en l’experimentació, tant amb els materials com amb la tècnica.

Sí, normalment comencem a treballar quan trobem un material nou. Per exemple, quan varem començar amb el làtex va ser perquè ens va semblar que tenia una materialitat interessant. De vegades iniciem el procés per una idea, però el resultat és gairebé sempre material. Treballem més amb pintures, gravats, coses físiques i tàctils. En aquest moment fem feina amb les projeccions de diapositives, que no és alguna cosa que puguis tocar, però si té un suport físic.

La projecció no és de l’ordinador, o a partir de dades, és una projecció d’imatges físiques i la intervenció que realitzem també ho és. Ens agrada establir aquest contacte amb la matèria. El que intentem fer és treballar amb coses que tenim a mà, més rutinàries i barates. Intervenir en les diapositives i la projecció és alguna cosa nou que anem a provar aquí.

Quines influències teniu en el vostre treball, si és que hi ha alguna?

Rauschenberg, ara estem al·lucinant amb Andy Warhol. Però depèn del treball.

Teniu aquesta influència molt pop, que es relaciona també amb el d’intervenir les fotos, utilitzar referències icòniques, la fotocòpia, el collage, les capes,…

En aquest moment és el que ens crida més l’atenció, hi ha uns altres que potser són més difícils de veure com Eva Hesse que treballava amb làtex, ve una mica de la producció del minimalisme nord-americà, però hi havia una discussió a prop de la feminitat. En aquest moment estem pensant molt sobre el cos femení, però de manera molt subtil. Hi ha influències a diferents nivells, aquest últim treball de l’estereoscopi fins i tot té a veure amb Velázquez, pels miralls i plànols. Mirem coses molt rares (riures)

L’altre dia vaig acabar a un podcast d’una comissaria que parla de com petites coses et porten a un resultat i de la importància del procés de creació. Les coses que passen durant est porten al producte final, on es van inserint aquestes idees i barrejant amb el treball.

Això és molt visible per a nosaltres, com treballem a quatre mans el procés és sempre és llarg, estem parlant, buscant,… Tot ho fem juntes. També rebem influències de la gent més propera, com a Comando 14 dels quals ens agrada molt el seu treball. Els tallers a Brasil, que utilitzem, són col·lectius i sempre veus el que va fent.

Treballeu també molt amb el concepte de ruïna, l’estètica de la deixalla.

Treballem sobretot això de les capes, degradant el material, cremant, gestos molt grans. Ens agrada aquesta matèria que sobra, les restes. Ara intentem treballar amb això però de maneres diferents, ens agrada alguna cosa que està oculta, que no té una imatge ben definida. Magalluf té aquest costat una mica obscur, sense jutjar moralment, d’ocult, té una cara una mica bizarra. Hi ha una mirada de la societat, de degradació.

Hi ha un aspecte temporal en el treball que no és directe, durant el procés la imatge perd una informació. És un objecte que té una història, com deies abans la importància del procés en el treball. En el nostre cas les imatges canvien bastant, solem treballar molt amb una imatge fins que gairebé es perd. Comencem amb una fotografia i el resultat final no té gens que veure, pot ser que alguna cosa romangui. Això té a veure amb les capes i les ruïnes, però la ruïna no és ruïna d’alguna cosa perdut o mirant el passat, sinó en la matèria present. Ja no té a veure amb el que era, però està aquí; és aquesta cosa més bruta, lletja, i mirem a això no al passat. Creiem que el resultat final de les diapositives no tindrà res a veure amb Magalluf.

Aquests són alguns dels treballs que vam fer fins ara, és la primera impressió, les capes s’aniran superposant.

Semblen imatges oposades després de molts anys, on es veu el pas del temps. Aquestes són digitals o analògiques? Hi ha una intenció de que es vegi el gest, en alguna cosa que podria ser molt automàtic i fred com la impressió de fotografies. Es veu la mà humana, és tornar una mica a aquesta idea romàntica de la fotografia més manual.

Digitals, treballem amb els dos. Hi ha una informació gestual molt forta, és una mica més calenta, i una mica aquesta tornada. És una cosa de la que sempre intentem parlar una miqueta.

Es van perdent les figures, hi ha zones amb més detalls i unes altres on es perd completament la imatge. Aquesta present també la idea de selecció, del que voleu mostrar o no. És curiós no és una tècnica, almenys que jo conegui, habitual.

Sí, en algunes es pot veure moltes coses i en altres res. Va ser una mica difícil la tècnica amb els materials, perquè canvien les marques i vam haver de realitzar proves.

És com una visió de futur del que podria ser Magalluf si s’abandonés.

Wai Kit Lam

CAST

Wai Kit Lam (Hong Kong, 1966) es una artista que trabaja principalmente con la fotografía  y el vídeo. Ha participado en exposiciones alrededor del mundo y actualmente reside en Hong Kong. Durante el mes de Abril se encuentra en residencia en el CAC Ses Voltes, con una de las ayudas para artistas no residentes.

El día que fui a conversar con Wai Kit Lam estaba nerviosa, mi control del inglés no es el más óptimo. Pero fue todo muy fluido, nos entendimos bien más allá del idioma.  

Anteriormente, ya habías colaborado con el CAC Ses Voltes para el proyecto Trafficjam #4, una red para el intercambio de artistas, y a partir de este conociste el proyecto de residencia ¿Qué relación tienes con los proyectos de residencia?

Tengo mucha suerte, he podido realizar muchas residencias en los últimos años. Esta es la séptima. Con Trafficjam he participado en la tercera y cuarta edición, la tercera fue en Berlín y la cuarta aquí.

Las residencias aportan mucho a mi carrera, porque cada vez que vas a un lugar es diferente, y aunque es mi segunda vez aquí es distinta, porque hay otra gente, otras situaciones, otro tiempo y yo también soy diferente porque, lógicamente, he cambiado. El año 2009 fue cuando hice la primera residencia en Berlín, la segunda fue en Mallorca, después fui a Portugal, también estuve en Noruega, en invierno lo cual fue bueno porque quería ir en esa época para experimentar el clima. Soy de Hong Kong, mi vida es muy diferente allí, pero estudie en Londres y viví en Italia, así que para mí Europa no es algo nuevo.

Cuantos más sitios veo y a cuantas más residencias voy mi trabajo cambia, mi experiencia es muy importante. Tengo que ir al sitio, no solo verlo por internet o por las noticias. El año pasado estuve en Binissalem en Can Arabi, con otros artistas, pero esta vez estoy en la casa de un amigo y trabajando en este espacio. Aunque antes ya hubiera estado aquí, la experiencia es completamente diferente.

He realizado otras residencias en las que estaba sola, Portugal, que me permitieron estar en contacto conmigo misma. Pero cuando estuve con Trafficjam en Berlín, estábamos en grupo, para mí fue difícil pero interesante. Había gente de todo el mundo, vivíamos y trabajábamos juntos. Las experiencias no se pueden experimentar igual en otros lugares, con otra gente o en otro tiempo. Las residencias me han ayudado a cambiar mi manera de como veo a la gente y el mundo, tengo mucha suerte.

-¿Crees que el intercambio, más de artistas internacionales, tendría que ser una práctica habitual en el mundo del arte? ¿Qué crees que aportan, tanto a ti como al panorama cultural del sitio donde realizas la estancia?

Sí, me encantaría que mucha más gente pudiera realizar estos intercambios. Hoy en día, tenemos internet pero hace años no era tan fácil. Estudié en Londres, pero me gradué hace treinta años, así que cuando acabé estaba bastante disgustada, porque en Hong Kong hace treinta años la comunicación no era muy buena. Londres es una ciudad muy cosmopolita y estuve durante tres años, estudié allí y me gustó mucho. Sabía que cuando me graduara y volviera, ya no tendría contacto con el mundo del arte contemporáneo occidental. Hoy, no puedo ir a los museos pero al menos puedo verlos por internet, hace treinta años no podía. Ahora es más importante hacer intercambios, porque tenemos más información y conocimiento de todo, pero tenemos que comunicarnos más. La idea de una persona es muy pequeña.

-¿Qué diferencias y similitudes tanto a nivel artístico como institucional hay en el mundo del arte contemporáneo entre España y China ?

Es muy diferente, del arte contemporáneo de china no te puedo hablar porque soy de Hong Kong y es muy diferente. La mentalidad de la gente de Hong Kong es distinta a la de los chinos, por las barreras físicas. Somos diferentes, ni mejores ni peores, Hong Kong perteneció a Reino Unido durante muchos años, esta es la razón.

El mundo del arte en Hong Kong es distinto, mucha gente dice que su identidad es confusa, porque antes era de Reino Unido y ahora forma parte de China. Hace treinta años el arte en Hong Kong no era muy bueno, pasaban pocas cosas, pero ahora está mejor. Es interesante por como vemos el mundo, yo he viajado mucho así que mi manera de pensar es diferente.

Hong Kong tuvo Art Bassel hace dos años, porque querían tener una base en Asía y era un buen sitio, porque trabajar en China es muy difícil, incluso para mí, la mentalidad es muy diferente.

-¿Esto tiene relación con tu trabajo, con el concepto de identidad?

Sí, cuando estaba en Londres ya tenía la idea de identidad presente. Hong Kong perteneció a Londres hasta el 1997, y yo estudie en Londres desde 1993 a 1996. Me gradué un año antes de que Hong Kong comenzase a pertenecer a China, era muy común que la gente fuera a estudiar a Inglaterra. Mucha gente de Hong Kong tiene nombre inglés, es normal, yo tenía el mío, pero no te lo voy a decir porque ya no lo uso más (risas). Soy Católica, así que cuando me bautizaron me pusieron un nombre inglés.

-Esto genera un problema de identificación, ¿no?

Si, es muy gracioso, cuando estudiaba en Londres me hacía llamar por mi nombre inglés, pero este no figuraba en mis documentos, así que no sabían quién era. Después de tres meses tuve un compañero, más mayor, y me pregunto porque siendo china tenía un nombre inglés. Me empecé a preguntar a mi misma porque lo usaba, y comencé a decirle a la gente que me dejaran de llamar por mi nombre inglés, decidí dejar de usarlo después de graduarme. Cuando volví a Hong Kong, les dije que lo dejarán de usar y que me llamarán Kit.

Esta vez, estoy trabajado en otra cosa pero, el concepto de identidad siempre ha estado muy presente en mi trabajo.

-Tu proyecto consiste en la realización de fotografías de la isla que demuestren el impacto cultural que tiene el turismo. Luego las compararás con las de tu isla natal, Hong Kong. A simple vista se presentan como dos islas bastante diferentes culturalmente, social y geográfico. ¿Cual crees que es ese impacto cultural y que similitudes concibes comparándola con Hong Kong?

Ahora lo he cambiado porque cuando llegué aquí tuve otras ideas. Mallorca es un paraíso para mucha gente. Comencé a pensar en la idea de paraíso, y  les pregunté a mis amigos de Facebook cuál era su idea de paraíso y recibí un montón de respuestas, algunas más típicas y otras no tanto. Ahora estoy asimilando las respuestas, y he obtenido cosas inesperadas. Tengo imágenes bonitas de Mallorca del cielo y el mar, típicas, y después escogería algunas respuestas de la gente y las imprimiría sobre estas. El escrito sería algo irónico, no demasiado directo, pero estoy trabajando en ello.

Hong Kong también es un lugar para turistas, pero mucho más materialista. La idea de paraíso puede ser un paisaje, como por ejemplo el mar, pero para mucha otra es más materialista, consumista. Hong Kong está teniendo problemas con los turistas que vienen de China, aquí los alemanes van a la playa, pero en Hong Kong van a comprar.

– ¿Piensas en el turismo como algo negativo, o simplemente lo analizas?

El turismo puede ser bueno o malo, en mis trabajos no suelo dar una respuesta, voy a preguntar. Creo que es importante esto haciendo arte, si voy a hacer algo que ya conoces, no necesito hacerlo. Tengo que hacer alguna cosa que te haga reflexionar.

¿Qué relación estableces con el lugar dónde realizas tu trabajo?

Esta vez me sentía un poco nerviosa, porque no era mi primera vez y ya conocía gente. La otra vez, trabajé el tema de la distancia en Mallorca, cuando llegué pensé que Mallorca no era tan pequeña como parecía. Realicé el proyecto del trayecto del tren a la parada de bus en Binissalem. Ahora no sabía que podía hacer, y finalmente, vi un libro en una tienda de segunda mano cuyo título era El paraíso, no tenía nada que ver con Mallorca. Quería tratar el turismo pero mí idea fue redirigida, cambiada al concepto de paraíso, porque es esta idea, la que atrae el turismo a Mallorca.

Hablabas de mi relación y es un poco complicado, porque soy también una turista, pero estoy trabajando y me estoy quedando más tiempo del normal. Así que, ¿Qué soy? Pienso en la identidad, tanto en esta como en otras residencias, pero también pienso en cómo me pongo a mi misma en el lugar. Cuando pienso en la idea de paraíso es gracioso, porque yo también estoy aquí como una turista, también pienso cual es mí idea de paraíso.

-Volviendo al tema del paraíso, hay una cita bastante popular aquí de una conversación entre Robert Graves y Gertrude Stein, el le dice: ¿Voy a vivir a Mallorca? y ella le responde: Si eres capaz de soportar el paraíso. Creemos muchas veces que vivimos en el paraíso.                    

¿La gente en Mallorca, realmente cree que vive en el paraíso?

-Sí, no somos siempre conscientes, pero, desde mi experiencia, por ejemplo cuando vengo caminando des de el tren y veo La Seu y el mar, realmente creo que vivo en el paraíso. Hablando con amigos, también me doy cuenta de eso.

Así que los residentes creen que viven en el paraíso y están felices de ello. Cada vez que les digo a mis amigos que voy a Mallorca, enseguida piensan en el mar y en la playa, y me dicen: vas al paraíso. Es interesante ver que no solo los turistas piensan que esto es un paraíso, sino también la gente que vive aquí.

-Dices que tu principal inspiración proviene del entorno que te rodea, partes de fragmentos de tu realidad cercana, pero de espacios un poco marginales, de los detalles.

Me gusta ponerme en el sitio donde estoy, aquí intento hablar español y ver la tele y las noticias locales. Si no me sitúo en el sitio donde estoy entonces, ¿Por qué vengo aquí? Podría trabajar en Hong Kong con mi ordenador, pero es diferente. Para mí, es importante experimentar el lugar donde estoy, voy al supermercado como un residente. Es un poco confuso porque aparte del castellano también está el catalán.  

-¿En otros trabajos hablas de tu identidad, como por ejemplo la colección de fotos carnet, o más bien hablas de tu propia experiencia como reflejo de una comunidad?

Para describir mi trabajo diría una cosa, uso mi imagen pero no a mí misma. Yo puedo ser otra persona pero, otra persona también puede ser yo. Tengo ese proyecto, en el cual llevo trabajando catorce años, en el que trabajo con mis fotos de pasaporte. Todas mis caras son muy diferentes, se me ve más elegante cuando estoy en Europa y más “china” cuando estoy allí. Aquí tengo unos ejemplos, no te rías ¿puedes creer que esta sea yo?

-Creo que es por el fondo rojo (risas).

Es muy horrible, la primera vez que me hice una foto en china me hicieron escoger el color del fondo, según el documento es uno u otro. Así que escogí el rojo, el fotógrafo tenía una buena cámara y la retoco durante diez minutos, pensaba que iba a salir una buena foto. Cuando la vi me reí mucho, realmente no se parece a mí, a lo mejor es la idea en china de cómo una mujer debería ser. Hay otra en Hong Kong, de un fotomatón, está sí que se parece a mí y solo tiene un mes de diferencia. En los diferentes lugares, se me ve muy distinta, da igual que este un mes o una semana. Uso mi persona no para hablar de mí, sino de la sociedad.

CAT

Wai Kit Lam (Hong Kong, 1966) és una artista que treballa principalment amb la fotografia i el vídeo. Ha participat en diverses exposicions al voltant del món i actualment resideix a Hong Kong. Durant el mes d’Abril es troba en residència en el CAC Ses Voltes, amb una de les ajudes per artistes no residents.

El dia que vaig anar a conversar amb Wai Kit Lam estava nerviosa, el meu control de l’anglès no és el més òptim. Però va ser tot molt fluid, ens vam entendre bé més enllà de l’idioma.

-Anteriorment, ja havies col·laborat amb el CAC Ses Voltes per al projecte Trafficjam #4, una xarxa per a l’intercanvi d’artistes, i a partir d’aquest vares conèixer el projecte de residència. Quina relació tens amb els projectes de residència?

Tinc molta sort, he pogut realitzar moltes residències en els últims anys. Aquesta és la setena. Amb Trafficjam he participat en la tercera i quarta edició, la tercera va ser a Berlín i la quarta aquí.
Les residències aporten molt a la meva carrera, perquè cada vegada que vas a un lloc és diferent, i encara que és la meva segona vegada aquí és diferent, perquè hi ha una altra gent, altres situacions, un altre temps i jo també sóc distinta perquè, lògicament, he canviat. L’any 2009 va ser quan vaig fer la primera residència a Berlín, la segona va ser a Mallorca, després vaig ser a Portugal, també vaig estar a Noruega, a l’hivern la qual cosa va estar bé perquè volia anar en aquesta època per experimentar el clima. Sóc de Hong Kong, la meva vida és molt diferent allà, però vaig estudiar a Londres i vaig viure a Itàlia, així que per mi Europa no és una cosa nova.

Com més llocs veig i a quantes més residències estic el meu treball canvia, la meva experiència és molt important. He d’anar al lloc, no solament veure-ho per internet o per les notícies. L’any passat vaig estar a Binissalem en Ca n’Arabí, amb altres artistes, però aquesta vegada estic a la casa d’un amic i treballant en aquest espai. Encara que abans ja hagués estat aquí, l’experiència és completament diferent.

He realitzat altres residències en les quals estava sola, Portugal, que em van permetre estar en contacte amb mi mateixa. Però quan vaig estar amb Trafficjam a Berlín, estàvem en grup, per a mi va ser difícil però interessant. Hi havia gent de tot el món, vivíem i treballàvem junts. Les experiències no es poden experimentar igual en altres llocs, amb una altra gent o en un altre temps. Les residències m’han ajudat a canviar la meva manera de com veig a la gent i el món, tenc molta sort.

-Creus que l’intercanvi, més d’artistes internacionals, hauria de ser una pràctica habitual al món de l’art? Què creus que aporten, tant a tu com al panorama cultural del lloc on realitzes l’estada?

Sí, m’encantaria que molta més gent pogués realitzar aquests intercanvis. Avui dia, tenim internet però fa anys no era tan fàcil. Vaig estudiar a Londres, però em vaig graduar fa trenta anys, així que quan vaig acabar estava bastant disgustada, perquè a Hong Kong fa trenta anys la comunicació no era molt bona. Londres és una ciutat molt cosmopolita i vaig estar durant tres anys estudiant i em va agradar molt. Sabia que quan em gradués i tornés ja no tindria contacte amb el món de l’art contemporani occidental. Avui, no puc anar als museus però almenys puc veure’ls per internet, fa trenta anys no podia. Ara és més important fer intercanvis, perquè tenim més informació i coneixement de tot, però hem de comunicar-nos més. La idea d’una persona és molt petita.

-Quines diferències i similituds tant en l’àmbit artístic com a institucional hi ha al món de l’art contemporani entre Espanya i Xina?

És molt diferent, de l’art contemporani de xinesa no et puc parlar perquè sóc de Hong Kong i és molt diferent. La mentalitat de la gent  és diferent de la dels xinesos, per les barreres físiques. Som diferents, ni millors ni pitjors, Hong Kong va pertànyer a Regne Unit durant molts anys, aquesta és la raó.
El món de l’art a Hong Kong és diferent, molta gent diu que la seva identitat és confusa, perquè abans era de Regne Unit i ara forma part de Xina. Fa trenta anys l’art a Hong Kong no era molt bo, passaven poques coses, però ara està millor. És interessant per com veiem el món, jo he viatjat molt així que la meva manera de pensar és diferent.
Hong Kong té Art Bassel des de fa dos anys, perquè volien tenir una base en Àsia i era un bon lloc, perquè treballar a Xina és molt difícil, fins i tot per a mi, la mentalitat és molt diferent.

-Això té relació amb el teu treball, amb el concepte d’identitat?

Sí, quan estava a Londres ja tenia la idea d’identitat present. Hong Kong va pertànyer a Londres fins al 1997, i jo vaig estudiar a Londres des de 1993 a 1996. Em vaig graduar un any abans que Hong Kong comencés a pertànyer a Xina, era molt comú que la gent fora a estudiar a Anglaterra. Molta gent de Hong Kong té nom anglès, és normal, jo tenia el meu, però no t’ho diré perquè ja no l’utilitz (riures). Sóc Catòlica, així que quan em van batejar em van posar un nom anglès.

-Això genera realment un problema d’identificació, no?

Si, és molt graciós, quan estudiava a Londres em feia dir pel meu nom anglès, però aquest no figurava en els meus documents, així que no sabien qui era. Després de tres mesos vaig tenir un company, més major, i em va preguntar perquè sent xinesa tenia un nom anglès. Em vaig començar a preguntar a mi mateixa perquè ho usava, i vaig començar a dir-li a la gent que em deixessin de cridar pel meu nom anglès, vaig decidir deixar d’usar-ho després de graduar-me. Quan vaig tornar a Hong Kong, els vaig dir que ho deixessin d’usar i que em diguessin Kit.
Aquesta vegada, estic treballat en una altra cosa però, el concepte d’identitat sempre ha estat molt present en el meu treball.

-El teu projecte consisteix en la realització de fotografies de l’illa que demostrin l’impacte cultural que té el turisme. Després les compararàs amb les de la teva illa natal, Hong Kong. A simple vista es presenten com dues illes bastant diferents culturalment, social i geogràfic. Quin creus que és aquest impacte cultural i quines similituds conceps comparant-la amb Hong Kong?

Ara ho he canviat perquè quan vaig arribar aquí vaig tenir altres idees. Mallorca és un paradís per a molta gent. Vaig començar a pensar en la idea de paradís, i els vaig preguntar als meus amics de Facebook quin era la seva idea de paradís i vaig rebre un munt de respostes, algunes més típiques i unes altres no tant. Ara estic assimilant les respostes, i he obtingut coses inesperades. Tenc imatges boniques de Mallorca del cel i el mar, típiques, i després escolliria algunes respostes de la gent i les imprimiria sobre aquestes. L’escrit seria alguna cosa irònica, no massa directe, però estic treballant en això.
Hong Kong també és un lloc per a turistes, però molt més materialista. La idea de paradís pot ser un paisatge, com per exemple el mar, però per a molta una altra és més materialista, consumista. Hong Kong està tenint problemes amb els turistes que vénen de Xina, aquí els alemanys van a la platja, però a Hong Kong van a comprar.

– Penses en el turisme com alguna cosa negativa, o simplement ho analitzes?

El turisme pot ser bo o dolent, en els meus treballs no és comú que doni una resposta, vaig a preguntar. Crec que és important això fent art, si vaig a fer alguna cosa que ja coneixes, no necessit fer-ho. He de fer alguna cosa que et faci reflexionar.

-Quina relació estableixes amb el lloc on realitzes el teu treball?

Aquesta vegada em sentia una mica nerviosa, perquè no era la meva primera vegada i ja coneixia gent. L’altra vegada, vaig treballar el tema de la distància a Mallorca, quan vaig arribar vaig pensar que Mallorca no era tan petita com semblava. Vaig realitzar el projecte del trajecte del tren a la parada de bus a Binissalem. Ara no sabia que podia fer, i finalment, vaig veure un llibre en una tenda de segona mà el títol de la qual era El paradís, no tenia res a veure amb Mallorca. Volia tractar el turisme però la meva idea va ser redirigida, canviada al concepte de paradís, perquè és aquesta idea, la que atreu el turisme a Mallorca.
Parlaves de la meva relació i és una mica complicat, perquè sóc també una turista, però estic treballant i m’estic quedant més temps del normal. Així que, Què sóc? Pens en la identitat, tant en aquesta com en altres residències, però també pens en com em pos a mi mateixa en el lloc. Quan pens en la idea de paradís és graciós, perquè jo també estic aquí com una turista, també pens com és la meva idea de paradís.

-Tornant al tema del paradís, hi ha una cita bastant popular aquí d’una conversa entre Robert Greus i Gertrude Stein, ell li diu: Vaig a viure a Mallorca?, i ella li respon: Si ets capaç de suportar el paradís. Creiem moltes vegades que vivim en el paradís.

La gent a Mallorca, realment creu que viu en el paradís?

-Sí, no som sempre conscients, però, des de la meva experiència, per exemple quan venc caminant des del tren i veig La Seu i la mar, realment crec que visc en el paradís. Parlant amb amics, també m’adon d’això.

Així que els residents creuen que viuen en el paradís i estan feliços d’això. Cada vegada que els dic als meus amics que vaig a Mallorca, de seguida pensen en el mar i a la platja, i em diuen: vas al paradís. És interessant veure que no solament els turistes pensen que això és un paradís, sinó també la gent que viu aquí.

-Dius que la teva principal inspiració prové de l’entorn que t’envolta, parts de fragments de la teva realitat propera, però d’espais una mica marginals, dels detalls.

M’agrada posar-me en el lloc on estic, aquí intent parlar espanyol i veure la tele i les notícies locals. Si no em situu en el lloc on estic llavors, Per què vinc aquí? Podria treballar a Hong Kong amb el meu ordinador, però és diferent. Per a mi, és important experimentar el lloc on estic, vaig al supermercat com un resident. És una mica confús perquè a part del castellà també està el català.

-En altres treballs parles de la teva identitat, com per exemple la col·lecció de fotos carnet, o més aviat parles de la teva pròpia experiència com a reflex d’una comunitat?

Per descriure el meu treball diria una cosa, ús la meva imatge però no a mi mateixa. Jo puc ser una altra persona però, una altra persona també pot ser jo. Tenc aquest projecte, en el que port treballant catorze anys, en el qual treball amb les meves fotos de passaport. Totes les meves cares són molt diferents, se’m veu més elegant quan estic a Europa i més “xinesa” quan estic allà. Aquí tenc uns exemples, no riguis. Pots creure que aquesta sigui jo?

-Crec que és pel fons vermell (riures).

És horrible, la primera vegada que em vaig fer una foto a xina em van fer escollir el color del fons, segons el document és un o un altre. Així que vaig escollir el vermell, el fotògraf tenia una bona càmera i la va retocar durant deu minuts, pensava que anava a sortir una bona foto. Quan la vaig veure vaig riure molt, realment no s’assembla a mi, potser és la idea en xinesa de com una dona hauria de ser. Hi ha una altra a Hong Kong, d’un fotomaton, aquesta sí que s’assembla a mi i solament té un mes de diferència. En els diferents llocs, se’m veu molt diferent, és igual que estigui un mes o una setmana. Ús la meva persona no per parlar de mi, sinó de la societat.

Esteban Lahoz

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CAST

Esteban Lahoz (Zaragoza,1987) es fotógrafo licenciado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona. Durante el mes de marzo ha desarrollado su proyecto Costa Blava, un estudio tipológico de las piscinas que se sitúan en la costa de Mallorca. Conversé con Lahoz horas antes de que dejara la isla, después de realizar un open estudio, un par de días antes, en el cual mostró parte del trabajo realizado durante su estancia en Mallorca.

¿Cómo conociste el proyecto de residencia del CAC Ses Voltes?

Un amigo es residente en la isla y me comentó que el CAC daba ayudas a gente de fuera, a raíz de eso me informe y me apunté.

¿Has realizado alguna otra residencia?, ¿Qué papel crees que tienen dentro de la formación del artista?

Realmente residencias como tales, con beca, es la primera que hago. Creo que es importante porque en el mundo del arte si cada cierto tiempo no tienes ningún tipo de reconocimiento que reafirme toda tu práctica se haría muy duro. Es muy necesario que haya oportunidades para la gente, y el hecho de que te seleccionen da una sensación de confort que es necesaria para seguir. Por lo tanto, este tipo de ayudas son muy positivas. 

En principio tu proyecto consiste en fotos de piscinas. Como habrás podido comprobar es un territorio donde las piscinas se multiplican, incluso en zonas pegadas al mar ¿Crees que tiene que ver con ese sentimiento de control o dominio de la naturaleza?

No creo que el ser humano de manera consciente que asocie las piscinas a un control del medio, se hacen con un fin lúdico, para disfrutar, y no se plantean el impacto en el territorio. Tratando de ir un poco más allá sí que creo que es una prueba de que estamos arriba del todo y somos los que controlamos el planeta, y,por lo tanto, hacemos lo que nos place. Sorprende que en según qué zonas de Mallorca casi no se vea la costa. En áreas por las que he ido a realizar fotografías, toda la ladera eran urbanizaciones, casas, complejos hoteleros,.. Por suerte todavía queda mucho territorio salvaje, pero sí que hay zonas que me impresionaron bastante.

Creía que era importante hablar del concepto de turismo en tu obra, muchas de las piscinas que has retratado pertenecen a hoteles o casas vacacionales, en definitiva propiciadas por este concepto de ocio. Me parece interesante el hecho de que en lugar de retratar las grandes playas o complejos hoteleros repletos de gente, una poética bastante común para reflejar este concepto de turismo, acudas a piscinas desiertas donde la presencia humana se intuye pero no es tan latente.

Esto es algo clave en el trabajo ya que al mostrar las piscinas totalmente vacías de gente pretendo evidenciar que la mayoría del año, estos micro-paraísos artificiales están parados, pero la modificación de la costa y el territorio es algo permanente.

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También quería hablar de la ausencia de presencia humana en tus imágenes, son paisajes muy asépticos, muy limpios, con un aspecto de irrealidad que contrastan con las otras imágenes que has tomado donde si hay presencia humana y la naturaleza se manifiesta libre. Esto se traslada también a la manera en las que las has dispuesto, para el Open Studio, las de las piscinas en cuadriculadas y las otras de forma más orgánica.

 

Sí. Las he dispuesto de maneras distintas ya que los dos grupos de imágenes han surgido de maneras distintas. La retícula de piscinas con las distancias que las separan del mar han sido fruto del hemisferio izquierdo de mi cerebro, seguía una lógica un lenguaje previamente diseñado, algo casi científico. Mientras que las imágenes pertenecientes al foto diario eran fruto del hemisferio derecho del cerebro, venían de las sensaciones, de pulsiones de color que aparecían por el camino y era capaz de capturar. Por eso necesitaban diferentes maneras de ser mostradas al espectador.
La disposición en retícula está influenciada por el trabajo de los Becher que son uno de mis referentes y fueron los primeros en realizar un estudio tipológico.
Es una pena que por el mal tiempo no pudiese hacer una retícula más numerosa.
 

Consigues un efecto casi abstracto.

¡Entonces es que funciona! 
Decidí poner la distancia en metros entre el mar y la piscina para establecer un diálogo entre imágenes y cifras, y de paso  introducir al espectador en un contexto determinado.
 
 

Costa Blava se encuentra relacionado con trabajos anteriores, como Circe’s Palace o Subtrópico, en los que tratas también la relación del ser humano con la naturaleza.

Soy escalador y salgo mucho al monte, ahí te das cuenta de la desconexión que padece mucha gente con la naturaleza. Cada vez que iba a un sitio a escalar me daba cuenta de la suerte que tenía de tener ese sentimiento de pertenecer a algo más grande. También me di cuenta que la relación que el ser humano ha establecido con el entorno es negativa, incluso destructiva.
Súbtrópico fue la primera serie en la cual abordé este tema desde un punto de vista autobiográfico, añorando nuestra naturaleza salvaje. La anulación de lo salvaje, podría llamarse domesticación, y de ahí surgió Circe´s Palace, proyecto inacabado que estoy llevando a cabo en una granja de cerdos y plantea la relación que hemos establecido determinadas especies de animales domesticados que sirven de alimento. Y ahora con Costa Blava pretendo hablar de la domesticación del terreno que supone edificar grandes zonas turísticas costeras y el impacto que causa en el paisaje.
 

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¿Tienes intención de continuar el proyecto de Costa Blava?

Sí, tanto aquí como en otros sitios de costa. Estoy buscando otros lugares donde realizar una residencia para seguir con el mismo proyecto. Me gustaría hacerlo en diferentes países y que la retícula de piscina fuese enorme.

¿Cómo fue el proceso de trabajo? Porque no has estado casi en los talleres, sino que ha sido más trabajo de campo.

Primero busqué por Google Earth los primeros días y ví que las zonas más edificadas se situaban al sur de la isla basicamente. Palma, Andratx, Colónia Sant Jordi, Santanyi y Cala Blava han sido los sitios que más he recorrido. El proceso de trabajo ha sido muy sencillo, los días que había buena luz, cogía el coche con el equipo e iba en busca de piscinas. Elegía sitios del mapa y una vez allí me dejaba llevar por mi instinto veraniego para encontrar las piscinas ideales.
Por desgracia ha habido muchos días de mal tiempo y no he obtenido tantas imágenes como me hubiese gustado.
 

En esta serie también trabajas con un formato analógico ¿Qué te permite y qué resultados, estéticamente hablando, obtienes?

A mí lo que me gusta del proceso analógico es su propia materialidad, cuando hago digital hay partes del proceso que echo en falta, no es tan emocionante. También es cierto que a mí, la textura que da la plata me gusta mucho más que la calidad del digital. Es como los vinilos que tienen un sonido distinto del mp3.
También el hecho de trabajar con película me requiere un nivel más alto de concentración que disfruto mucho. Es como estar en trance.
 
 

Si, al final es lo que te lleva a ese resultado.

Claro. La manera en la que todo queda captado en la película me parece que tiene una poética diferente. Me permite dejarme llevar en el espacio captando los colores de una manera más mágica.
CAT
 

Esteban Lahoz (Saragossa,1987) és fotògraf llicenciat en Belles Arts per la Universitat de Barcelona. Durant el mes de març ha desenvolupat el seu projecte Costa Blava, un estudi tipològic de les piscines que se situen en la costa de Mallorca. Vaig conversar amb Lahoz hores abans que deixés l’illa, després de realitzar un open estudio, un parell de dies abans, en el qual va mostrar part del treball realitzat durant la seva estada a Mallorca.

Com vas conèixer el projecte de residència del CAC Ses Voltes?

Un amic és resident a la illa i em va comentar que el CAC donava ajudes a gent de fora, arran d’això em vaig informar i em vaig apuntar.

Has realitzat alguna altra residència?, Quin paper creus que tenen dins de la formació de l’artista?

Realment residències com a tals, amb beca, és la primera que faig. Crec que és important perquè al món de l’art si cada cert temps no tens cap tipus de reconeixement que reafirmi tota la teva pràctica es faria molt dur. És molt necessari que hi hagi oportunitats per a la gent, i el fet que et seleccionin dóna una sensació de confort que és necessària per seguir. Per tant, aquest tipus d’ajudes són molt positives.

En principi el teu projecte consisteix en fotos de piscines. Com hauràs pogut comprovar és un territori on les piscines es multipliquen, fins i tot en zones davora la mar. Creus que té a veure amb aquest sentiment de control o domini de la naturalesa?

No crec que l’ésser humà de manera conscient associï les piscines a un control del mitjà, es fan amb una fi lúdica, per gaudir, i no es plantegen l’impacte al territori. Tractant d’anar una mica més enllà sí que crec que és una prova que estem a dalt del tot i som els que controlem el planeta, i per tant fem el que ens plau. Sorprèn que en segons quines zones de Mallorca gairebé no es vegi la costa. En àrees per les quals he anat a realitzar fotografies, tot el vessant eren urbanitzacions, cases, complexos hotelers,.. Per sort encara queda molt territori salvatge, però si que hi ha zones que em van impressionar bastant.

Creia que era important parlar del concepte de turisme en la teva obra, moltes de les piscines que has retratat pertanyen a hotels o cases vacacionals, en definitiva propiciades per aquest concepte d’oci. Em sembla interessant el fet que en lloc de retratar les grans platges o complexos hotelers replets de gent, una poètica bastant comuna per reflectir aquest concepte de turisme, acudeixis a piscines desertes on la presència humana s’intueix però no és tan latent.

Això és  clau en el treball, ja que en mostrar les piscines totalment buides de gent pretenc evidenciar que la majoria de l’any, aquests micro-paradisos artificials estan parats, però la modificació de la costa i el territori és alguna cosa permanent.

També volia parlar de l’absència de presència humana, són paisatges molt asèptics, molt nets i amb un aspecte de irrealitat que contrasten amb les altres imatges que has pres on si hi ha presència humana i la naturalesa es manifesta lliure. Això es trasllada també a la manera en les quals les has disposat, pel Open Studio, les de les piscines quadriculades i les altres de forma més orgànica.

Sí. Les he disposat de maneres diferents ja que els dos grups d’imatges han sorgit de maneres diferents. El reticle de piscines amb les distàncies que les separen del mar han estat fruit de l’hemisferi esquerre del meu cervell, seguia una lògica un llenguatge prèviament dissenyat, gairebé científic. Mentre que les imatges pertanyents al foto diari eren fruit de l’hemisferi dret del cervell, venien de les sensacions, de pulsions de color que apareixien pel camí i era capaç de capturar. Per això necessitaven diferents maneres de ser mostrades a l’espectador.
La disposició en reticle està influenciada pel treball dels Becher que són un dels meus referents i van ser els primers a realitzar un estudi tipològic.
És una pena que pel mal temps no pogués fer un reticle més nombrós.

Aconsegueixes un efecte gairebé abstracte.

Llavors és que funciona!
Vaig decidir posar la distància en metres entre el mar i la piscina per establir un diàleg entre imatges i xifres, i de pas introduir a l’espectador en un context determinat.

Costa Blava es troba relacionat amb treballs anteriors, com Circe’s Palace o Subtrópico, en els quals tractes també la relació de l’ésser humà amb la naturalesa.

Sóc escalador i surto molt a la muntanya, aquí t’adones de la desconnexió que pateix molta gent amb la naturalesa. Cada vegada que anava a un lloc a escalar m’adonava de la sort que tenia de tenir aquest sentiment de pertànyer a algo una mica més gran. També em vaig adonar que la relació que l’ésser humà ha establert amb l’entorn és negativa, fins i tot destructiva.
Súbtrópico va ser la primera sèrie en la qual vaig abordar aquest tema des d’un punt de vista autobiogràfic, enyorant la nostra naturalesa salvatge. L’anul·lació del salvatge, podriem dir domesticació, i d’aquí va sorgir Circe´s Palace, projecte inacabat que estic duent a terme en una granja de porcs i planteja la relació que hem establert determinades espècies d’animals domesticats que serveixen d’aliment. I ara amb Costa Blava pretenc parlar de la domesticació del terreny que suposa edificar grans zones turístiques costaneres i l’impacte que causa en el paisatge.

Tens intenció de continuar el projecte de Costa Blava?

Sí, tant aquí com en altres llocs de costa. Estic cercant altres llocs on realitzar una residència per seguir amb el mateix projecte. M’agradaria fer-ho en diferents països i que el reticle de piscines fos enorme.

Com va ser el procés de treball? Perquè no has estat gairebé en els tallers, sinó que ha estat més treball de camp.

Primer vaig buscar per Google Earth els primers dies i viag veure que les zones més edificades se situaven al sud de la illa. Palma, Andratx, Colónia Sant Jordi, Santanyi i Cala Blava han estat els llocs que més he recorregut. El procés de treball ha estat molt senzill, els dies que hi havia bona llum, agafava el cotxe amb l’equip i anava a la recerca de piscines. Triava llocs del mapa i una vegada allà em deixava portar pel meu instint estiuenc per trobar les piscines ideals.
Per desgràcia hi ha hagut molts dies de mal temps i no he obtingut tantes imatges com m’hagués agradat.

En aquesta sèrie també treballes amb un format analògic. Què et permet i quins resultats, estèticament parlant, obtens?

A mi el que m’agrada del procés analògic és la seva pròpia materialitat, quan faig digital hi ha parts del procés que trobo a faltar, no és tan emocionant. També és cert que a mi, la textura que dóna la plata m’agrada molt més que la qualitat del digital. És com els vinils que tenen un so diferent del mp3.
També el fet de treballar amb pel·lícula em requereix un nivell més alt de concentració que gaudeixo molt. És com estar en trànsit.

Si, al final és el que et porta a aquest resultat.

Clar. La manera en la qual tot queda captat en la pel·lícula em sembla que té una poètica diferent. Em permet deixar-me portar a l’espai captant els colors d’una manera més màgica.

 

Ana H. del Amo

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CAST

Ana H. del Amo (Cáceres, 1977) es una artista licenciada en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona especializada en pintura, sin embargo su trabajo va mucho más allá y experimenta con lo pictórico expandiéndolo a otros terrenos como la escultura. El día que conversé con H. del Amo se encontraba en el exterior del taller, pintando y experimentando con unas persianas que había encontrado y que más tarde formarían parte de su obra.

¿Cómo conociste el proyecto de residencia del CAC Ses Voltes?

Lo conocí por internet, en concreto por Facebook, vi la convocatoria para artistas no residentes en las Islas Baleares y me presenté.

¿Cuál es tu relación con los proyectos de residencia, has realizado algún otro?

Realice uno en Portugal pero fue de corta duración, en el año 2005 estuve en la Academia de España en Roma; en el 2009 en el Taller de Paisaje Internacional Blanca en Murcia, este en concreto era una beca de una semana en el pueblo de Blanca con Gonzalo Puch. En el 2012 participe en el  II Encontro de Artistas Novos en la Cidade da Cultura en Santiago de Compostela, este último es interesante porque puedes conocer la obra de los artistas jóvenes.

¿Qué papel crees que tienen las residencias en la formación del artista?

Creo que sobretodo el hecho de cambiar de contexto, enriquecerte con otro ambiente y otras maneras de trabajar. Cuando estás en un taller te habitúas a trabajar de una manera y al llegar a un espacio nuevo tienes que crear otro dinamismo y método de trabajo, porque no tienes las mismas herramientas. Se trata de renovar.

Entonces, tú concibes una residencia como una relación entre el artista y el entorno, ¿no?

Si, totalmente. Aunque no se ve reflejado de manera directa pero si se encuentra presente sutilmente, con los materiales encontrados. 

¿Durante tu mes de residencia en el CAC Ses Voltes qué proyecto estás desarrollando?

El proyecto por el cual me seleccionaron era para realizar tres piezas escultóricas. Se trata de trabajar a partir de elementos que he encontrado, es decir, materiales de desecho con los que estoy haciendo diferentes posibilidades de piezas, una exenta y otras trabajando el muro como si fuera un dibujo. Principalmente estoy desarrollando elementos de la línea, una línea expresiva, y con esta realizo una composición.

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Me interesa especialmente tu proceso de trabajo, dices que tu manera trabajar es lúdica ¿Qué significa y como se refleja en tu obra?

Pues mi manera de trabajar es lúdica, intuitiva. Por ejemplo, he recogido estos listones de madera que eran de una casa antigua y los he lijado o las persianas, que estaba pintando fuera. Primero tienes una atracción con el material porque te llama la atención por alguna razón, tanto estética como táctil. En este caso las persianas no pesan, me provocan esa esbeltez y expresividad que los travesaños de madera no me permiten. A partir de aquí empiezo a jugar y combinar, ese juego me sugiere una cosa u otra y medito que me están diciendo esas piezas y veo por donde van tirando.

Explícame un poco más esta relación que tienes con los materiales.

El material me lo encuentro y a lo mejor tengo una idea, por ejemplo ahora estoy trabajando con una silla encontrada, cosa que no he hecho nunca. Al principio creía que sería demasiado radical trabajar con la pieza entera, tenía pensado cortarla por la mitad de manera simétrica, pero las posibilidades de que fuese un corte limpio eran pocas. Así que pienso jugar con ella y hacer un elemento más pictórico. He trabajado en otras ocasiones con objetos encontrados, pero en este caso la silla cambiaría su posición en la lectura clásica.

¿Qué importancia tiene y cómo concibes la forma geométrica en tu obra?

La concibo de una manera intuitiva, mi manera de trabajar está entre lo lúdico y lo intuitivo, así que es una geometría que voy sacando de ir trabajando en el taller y haciendo muchos bocetos.

Es interesante el hecho de que sea intuitivo y hagas bocetos.

Bueno, en realidad no son bocetos, digamos que el soporte del papel me permite una expresividad más directa, por el formato. Por ejemplo, si estoy realizando una escultura es mucho más complicado ver por dónde me voy moviendo, en cambio el dibujo sí que me lo permite.

El color en tus trabajos es un elemento significativo, delimita las piezas y sus volúmenes. ¿Cómo definirías esta importancia?

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Para mí el color es importante porque vengo de formación pictórica, es mi especialidad. Siempre he trabajado con el color y he pintado de una manera clásica, era el elemento con el que rellenaba la figura. El color tiene para mí esa parte sensual como cuando ves una flor y te atrae de una manera u otra y quieres acercarte, me da esa sensación.  Es verdad que ahora que hago escultura trabajo de otra manera, los materiales que encuentro ya te aportan sensaciones, cosa que no conocía porque no trabajaba con ellos. Lo bueno de la escultura es que vas conociendo los materiales, como funcionan y te van aportando su carácter y sus sensaciones. Muchas veces pienso que no es necesario el color, pero por ahora me gusta, todavía está esa simbiosis entre pintura y escultura.

Me interesa esta unión entre pintura y escultura.

Si, voy combinando tanto materiales como colores. Casi todas mis piezas son sin título solo las de la primera etapa, con las que salte a la escultura, que eran piezas a partir de pequeñas cuñas tenían título. Mientras trabajaba estas piezas pintaba cuadros más clásicos de una geometría intuitiva y en los que se ve el pulso. Me costó saltar de los cuadros a las esculturas, llevaba un año aproximadamente trabajando con las cuñas cuando me di cuenta de que lo que estaba haciendo eran esculturas. Entonces les ponía título porque era más fácil para mí, tenía esa necesidad para creérmelo.

Usas una geometría que recuerda al minimalismo pero con un acabado totalmente opuesto.

La geometría y las cosas minimalistas me interesan y tengo esa inclinación, pero no me gustan las cosas muy pulidas o la geometría plana y fría. Me gusta ver el pulso del creador, la brocha y la sensualidad de la materia. Mi interés se declina porque se vean los errores y dificultades que me voy encontrando cuando pinto un cuadro. En la escultura no es que sean brutas, pero no están cortadas a la perfección, es un equilibrio entre un minimal y un acabado que no se vea industrial, en el que se intuye la mano humana. La irregularidad de los elementos encontrados, que utilizo como material, y que tienen ese aspecto de dejado o medios rotos ya me aportan estas características. pared buena.jpg

Veo que ahora también estás haciendo dibujos, ¿Qué lugar ocupa el dibujo en tu obra?

Hice una serie de dibujos que he expuesto hace poco en Valencia, tienen esa sensación muy etérea de movimiento. Aquí quería probar que no solo se combinara la cera y el color, el resultado era muy limpio, sino ponerle algo más de expresividad con la introducción táctil del carboncillo.

Se ve una evolución respecto a tus dibujos anteriores, como si te fueras desligando un poco más de lo geométrico hacia una descomposición.

Son pequeñas variaciones, voy introduciendo el desequilibrio, diferentes posibilidades y juego a que la geometría sea expresiva. Ahora con el carboncillo hago incisión con el dedo, entonces la huella me permite una expresividad más directa y salvaje; es importante también la tensión del color. Combinar lo limpio y puro de las ceras con el carbón que es más expresivo me da esa sensación volátil, de ligereza.  

Día 2 de Abril del 2016 a las 12h Ana H. del Amo realizará un open studio en el espacio que ocupa en el CAC Ses Voltes para presentar las piezas que ha producido durante su residencia.

Web de Ana H. Del Amo: http://anahdelamo.blogspot.com.es/

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CAT

Ana H. del Amo és una artista llicenciada en Belles Arts per la Universitat de Barcelona especialitzada en pintura, no obstant això la seva feina va més enllà i experimenta amb el pictòric expandit a altres camps com l’escultura. El dia que vaig conversar amb H. del Amo es trobava a l’exterior del taller, pintant i experimentant amb unes persianes que havia trobat i formarien part de la seva obra.

Com vares conèixer el projecte de residència del CAC Ses Voltes?

El vaig conèixer per internet, per ser més exactes via Facebook, vaig veure la convocatòria per artistes no residents a les Illes Balears i em vaig presentar.

¿Quina és la teva relació amb els projectes de residència, has realitzat d’altres?

Vaig realitzar un a Portugal però va ser de curta durada, l’any 2005 vaig estar a l’Acadèmia d’Espanya a Roma; en el 2009 al Taller de Paisatge Internacional Blanca a Múrcia, aquest era una beca d’una setmana al poble de Blanca amb Gonzalo Puch. L’any 2012 vaig participar en el II Encontro de Artistas Novos en la Cidade da Cultura a Santiago de Compostela, aquest darrer és interessant perquè pots conèixer l’obra dels artistes joves.

¿Quin paper creus que tenen les residències en la formació de l’artista?

Crec que sobretot el fet de canviar de context, enriquir-se amb un ambient diferent i altres maneres de fer feina, quan estàs a un taller t’acostumes a fer feina d’un mode molt concret. En arribar a un nou espai has de crear un nou dinamisme i en definitiva una nova manera de fer, ja que no tens les mateixes eines, es tracta de renovar.

Llavors conceps una residència com una relació entre l’artista i l’entorn, no?

Si, totalment. Encara que no es vegi reflectit de manera directa però sí que es troba present subtilment, amb els materials trobats.

¿Durant el teu mes de residència al CAC Ses Voltes quin projecte estàs desenvolupant?

El projecte pel qual em varen seleccionar era per realitzar tres peces escultòriques. Es tracta de fer feina a partir d’elements que he trobat, és a dir, materials de rebuig amb els que estic fent diferents possibilitats de peces, una exempta i altres fent feina amb el mur com si fos un dibuix. Principalment estic desenvolupant elements de la línia, una línia expressiva, i amb aquesta realitz una composició.

M’interessa especialment el teu procés de feina, dius que la teva manera de procedir és lúdica. Que significa i com és reflexa en el teu treball?

La meva manera de fer feina és lúdica, intuïtiva. Per exemple, he replegat aquests llistons de fusta que eren d’una casa antiga i els he escatat o les persianes, que estava pintant fora. Primer tens una atracció amb el material perquè et crida l’atenció per alguna raó, tant estètica com tàctil. En aquest cas les persianes no pesen, em provoquen aquesta esveltesa i expressivitat que els travessers de fusta no em permeten. A partir d’aquí començ a jugar i combinar, aquest joc em suggereix alguna cosa o una altra i medit que m’estan dient les peces i veig per on em duen.

Em pots explicar un poc més aquesta relació que tens amb els materials.

El material el trob i tenc una idea, per exemple ara estic treballant amb una cadira trobada, cosa que mai he fet. Al principi creia que seria massa radical fer feina amb una peça sencera, tenia pensat tallar-la per la meitat de manera simètrica, però les possibilitats que fos un tall net eren poques. Així que pens jugar amb ella i fer un element més pictòric. He fet feina en altres ocasions amb objectes trobats, però en aquest cas la cadira canviaria la seva posició en la lectura clàssica.

¿Quina importància té i com conceps la forma geomètrica a la teva obra?

La concep d’una manera intuïtiva, la meva manera de treballat es troba entre el lúdic i l’intuïtiu, així que és una geometria que va sortint del meu treball en el taller i fent molt d’esbossos.

És interessant el fet que sigui intuïtiu i facis esbossos.

En realitat no són esbossos, diguem que el suport del paper em permet una expressivitat més directa, perquè és més petit i gràfic. Per exemple, si estic realitzant una escultura és molt més complicat veure per on vaig, en canvi el dibuix sí que m’ho permet.

El color als teus treballs és un element significatiu, delimita les peces i el seu volum. Com definiries aquesta importància?

Per a mi el color és important perquè venc de formació pictòrica, és la meva especialitat. Sempre he fet feina amb el color i he pintat d’una manera clàssica, era l’element amb el qual emplenava la figura. El color té per a jo una part sensual com quan veus una flor i ets sents atret d’una manera o altra i et vols acostar, em dóna aquesta sensació. És veritat que ara que faig escultura faig feina d’una altra manera, els materials que trob ja t’aporten sensacions, cosa que no coneixia perquè no feia feina amb ells. El bo de l’escultura és que vas coneixent els materials, com funcionen i et van aportant el seu caràcter. Moltes vegades pens que no és necessari el color, però per ara m’agrada, encara està aquesta simbiosi entre pintura i escultura.

M’interessa aquesta unió entre pintura i escultura.

Sí, vaig combinant tant materials com colors. Quasi totes les meves peces són sense títol, només les de la primera etapa amb les que vaig pegar el bot a l’escultura, que eren peces a partir de petites falques, tenien títol. Mentre feia feina amb aquestes peces pintava quadres més clàssics d’una geometria intuïtiva i en els quals es veu el pols. Em va costar el bot dels quadres a l’escultura, feia un any aproximadament que feia feina amb les falques quan em vaig adonar compta del que feia era escultura. Llavors els posava títol perquè era més fàcil per a mi, tenia aquesta necessitat per creure-m’ho.

Utilitzes una geometria que recorda al minimalisme però amb un acabat totalment oposat.

La geometria i les coses minimalistes m’interessen i tenc aquesta inclinació, però no m’agraden les coses super polides o la geometria plana i freda. M’agrada veure el pols del creador, la brotxa i la sensualitat de la matèria. El meu interès es declina perquè es vegin els errors i les dificultats que em vaig trobant quan pint un quadre. En l’escultura no és que siguin tosques, però no es troben tallades a la perfecció, és un equilibri entre un minimal i un acabat que no es vegi industrial, en el que es pot intuir la mà humana. La irregularitat dels elements trobats, que utilitz com a material, i que tenen aquest aspecte deixat o mig romput ja m’aporta aquestes característiques.

Veig que ara també estàs fent dibuixos, quin lloc ocupa el dibuix a la teva obra?

Vaig fer una sèrie de dibuixos que he exposat fa poc a València, tenen aquesta sensació etèria de moviment. Aquí volia provar que no només combinàs la cera i el color, el resultat era molt net, sinó aportar més expressivitat amb la introducció tàctil del carbonet.

Es veu una evolució respecte als teus dibuixos anteriors, com si et deslliguessis poc a poc del geomètric cap a una descomposició.

Són petites variacions, vaig introduint el desequilibri, diferents possibilitats, estic jugant a què la geometria sigui expressiva. Ara amb el carbonet faig incisió amb el dit, l’empremta em permet una expressivitat més directa i salvatge; és important també la tensió del color. Combinar el net i pur de les ceres amb el carbonet que és més expressiu em dóna aquesta sensació de volàtil, de lleugeresa.

Dia 2 d’abril del 2016 a les 12h Ana H. del Amo realitzarà un open studio a l’espai que ocupa al CAC Ses Voltes per presentar les peces que ha produït durant la seva residència.

Web de l’artista: http://anahdelamo.blogspot.com.es/